Tinha uma trilha no meu caminho

Rei do Baião completaria 98 anos hoje

2010-12-13T19:23:00.000-02:00

Luíz Gonzaga do Nascimento nasceu em 13 de dezembro de 1912, em Exu, Pernambuco. Desde pequeno aprendeu a tocar sanfona. Aos 8 anos, substituiu um sanfoneiro em uma festa tradicional da fazenda onde viva e recebeu seu primeiro cachê.

Luiz Gonzaga conseguiu comprar sua primeira sanfona aos 13 anos com dinheiro emprestado pelo pai. Quando terminou de pagar o empréstimo, disse ao pai que não trabalharia mais para ele: seria sanfoneiro profissional.

Era 1929, e Gonzagão conheceu Nazarena, moça de família rica. Eles começaram a namorar às escondidas porque o pai da moça não gostou do rapaz. Num dia de festa na cidade, depois de beber um pouco, Gonzagão foi tirar satisfação com o ex-futuro sogro armado de uma faquinha. Apanhou muito, teve que fugir para outra cidade e também que vender sua sanfona.

Então, Luiz Gonzaga fugiu de casa e, para conseguir ingressar na carreira militar, mentiu a idade. Na Revolução de 1930, era o soldado Nascimento, que seguia em missão por todo o Brasil. Naquela época, seu pai conseguiu comprar de volta a sanfona vendida.

Nas andanças pelo país, quando passou por Juiz de Fora, em Minas Gerais, Gonzagão aprendeu a tocar sanfona de 120 baixos com um soldado chamado Domingos Ambrósio. Foi por Ambrosio que Luiz Gonzaga foi apresentado a ritmos do sul do Brasil e também valsa e outras coisas!

Em 1939, pediu baixa do serviço militar e iniciou sua carreira artística. Naquele ano, fez sua primeira apresentação em um palco, no Cabaré O Tabu, na Rua Mem de Sá, no Rio de Janeiro.

No ano seguinte, enquanto tocava em uma casa de shows no Mangue, foi desafiado por um grupo de estudantes nordestinos a tocar algo que os lembrasse sua terra. Ali Gonzagão compôs “Pé de Serra” e “Vira e Mexe”. Com estas duas canções, foi aplaudido não só pelo grupo, mas também por todos os que o ouviram tocar.

Em 1941, assinou contrato com uma gravadora pela qual gravou vários álbuns. Em 1942, o sanfoneiro fez um sucesso estrondoso nas rádios do país. Em 1944, despedido da Rádio Tamoio, foi contratado pela Rádio Nacional, ambas do Rio de Janeiro, e ficou conhecido pelo apelido de ”Lua”. Em 1945, gravou o primeiro disco no qual tocava e cantava.

Em 1946, Luíz “Lua” Gonzaga gravou “No Meu Pé de Serra”, em parceria com Humberto Teixeira, e seu nome ganhou fama mundial. Este também foi o ano de seu regresso a Exu.

Em 1947, gravou “Asa Branca”, que fez parte da trilha do filme “Romance Carioca” (“Nancy Goes To Rio”). Esta foi a primeira de muitas gravações para a RCA Victor, cujas 17 prensas trabalhariam exclusivamente para ele.

Em 1950, Gonzaga ganhou o título de Rei do Baião, após uma apresentação em São Paulo. Um ano depois, um acidente automobilístico motivou a composição de “Baião da Penha”.

Com a força crescente da bossa nova e do rock’n’roll, Gonzagão passou algum tempo longe da mídia.

Gonzagão deixou a RCA Victor em 1973 para assinar contrato com a Odeon. Naquele mesmo ano, foi chamado de volta a Exu pelo governador de Pernambuco, Eraldo Gueiros de Leite, para tentar acalmar a cidade, palco de brigas entre família tradicionais da região.

Em 1980, O Rei do Baião cantou para o Papa João Paulo II em Fortaleza; e, em 1982, apresentou-se no teatro Bobinot, em Paris. Ele voltaria para a França em 1986 para apresentar-se no Halle de La Villete.

No dia 6 de junho de 1989, Luíz Gonzaga subiu pela última vez ao palco, e fez um discurso dizendo: “Quero ser lembrado como o sanfoneiro que amou e cantou muito o seu povo, o sertão, que cantou as aves, os animais, os padres, os cangaceiros, os retirantes, os valentes, os covardes, o amor...”.

No dia 21 de junho , Gonzagão foi internado na UTI do Hospital Santa Joana, em Pernambuco, onde ficaria por quarenta e dois dias. Nos momentos mais difíceis, Luiz Gonzaga cantava suas antigas canções.

Complicações advindas de uma pneumonia levaram o Rei do Baião, no dia 02 de agosto de 1989, aos 76 anos. Ao seu lado estava seu último grande amor, Dna. Edelzuita. Gonzagão foi sepultado em sua cidade natal.

Texto: Marina Gialluca

Esses outros 2 vídeos não podem ser postados diretamente aqui (restrições do usuário). Mas merecem ser vistos.

Festival da Canção de 1980. Gonzaguinha (filho do Luiz Gonzaga) chama ao palco seu pai para cantar, e é recebido calorosamente por um Maracanazinho lotado:

http://www.youtube.com/watch?v=yVE6Znv_jDg

E como não poderia faltar, Asa Branca, com Luiz Gonzaga dividindo o palco com Fagner, Osvaldinho do Acordeon, Dominguinhos, Sivuca e Guadalupe:

http://www.youtube.com/watch?v=s8VqC_Vjsm0

Buba e o Aquecimento Global eleito o melhor por Voto Popular

2010-09-29T11:28:00.000-03:00

29/set/2010

Animação foi eleita o Melhor Filme do terceiro UP To3’ pelo voto popular em Toronto, no Canadá.

Buba e o Aquecimento Global é uma animação de 1 minuto de duração que trata de maneira irreverente e divertida a problemática do aquecimento global e seus efeitos para a vida na Terra. Buba foi produzido pela MONO 3D, empresa especializada em animação de personagens e produção 3D. A trilha sonora e sonoplastia foram compostas pelo Estúdio Next.

Mais uma vez, qualidade e parceria resultaram em reconhecimento internacional.

Buba e o Aquecimento Global Buba and the Global Warming – Humor (2009)
Diretor: Eduardo Takao Nakamura
Trilha Sonora e Sonoplastia: Mauricio Domene

O UP To3’

É uma mostra de Animação Brasileira com até 3 minutos de duração, realizada dentro do Festival de Cinema Brasileiro de Toronto (BRAFFT – Brazilian Film & TV Festival of Toronto), em Toronto, no Canadá, com o objetivo de expor aos canadenses o que há de melhor e mais interessante na produção recente do cinema nacional e aproximar profissionais brasileiros do mercado canadense. A primeira mostra ocorreu em 2008.

Might Mike: sorria

2010-09-06T15:38:00.000-03:00

Sabe quando alguém consegue fazer uma associação de duas coisas bem diferentes, mas que se encaixam tão perfeitamente que só nos resta sorrir e pensar: "genial" ?

É o que o francês Might Mike faz.

Há muito tempo já circula na web arquivos com as gravações multitrack de vários discos famosos. Pra quem não sabe, multitrack é a gravação em canais separados. Então você tem acesso à guitarra isolada da bateria. Baixo separado da voz. Etc.

O que ele faz é pegar esses elementos separados e juntar de uma maneira que parece terem sido feitos um pro outro.

Mais não dá pra explicar. Só ouvindo, e sorrindo. Duvido você não sorrir.

Sons da Cidade - Copa 2010

2010-06-16T19:22:00.000-03:00

Quem é ligado em som vive feito maluco pedindo, por favor, um pouco de silêncio, na tentativa de ouvir algo que ninguém nem sequer perceba que está soando.

Algumas situações são excelentes para quem ama sons. Nas madrugadas, por exemplo, é lindo o som de cachorros latindo lááá longe, cheio de ecos e reverberações, vindo num bairro vizinho.

E o som de um trovão no meio de uma tempestade. Já reparou como o som de um trovão de verdade não tem nada a ver com o som que ouvimos em filmes? Às vezes, um trovão leva mais de 1 minuto para "tocar" seu som inteiro.

Agora, tem um som que quase ninguém repara: é o som da cidade durante um jogo de Copa do Mundo. Todas as pessoas concentradas na frente de uma TV, ou ligadas na transmissão do rádio em alto volume. Na cidade, soa um som lindo e único, e raro de se ouvir.

Resolvi gravar esse som, e compartilho aqui com vocês.

Um gravador portátil, na janela de um cômodo do andar de cima da casa, longe dos ruídos da TV e das vinhetas de rádio... Próximo somente do som que a cidade produzia.

Ouça com fones de ouvido, e curta por alguns segundos o "silêncio" tenso que pairava na cidade, que só foi quebrado pelos desejados 1º e 2º gols.

Tomara que vocês gostem!

Brasil x Coreia 1º Gol by mbdomene

Brasil x Coreia 2º Gol by mbdomene

Os sons que podem ser os últimos a serem ouvidos!

2010-05-31T15:59:00.002-03:00

31/maio/2010

Em 31 de maio completam-se 34 anos que a banda The Who realizou o show no estádio The Valley, em Londres, considerado o “show de rock mais barulhento” de todos os tempos, recorde acolhido no Guiness Book e mantido por dez anos. O volume medido a 32 metros dos auto-falantes foi de 126 dB, mais intenso que o som de uma britadeira.

De tanto abusar no volume de sua guitarra, o guitarrista da banda, Pete Townshend, teve sua capacidade auditiva definitivamente prejudicada.

Acontece que o ouvido humano tem resistência limitada a níveis de ruído. Quanto mais alto o som, mais exposto a danos o aparelho auditivo fica. A medição em decibeis (dB) indica o quanto um som é mais intenso que o mínimo que o ser humano pode escutar, que corresponde a 0 dB.

O que ocorreu com Townshend não foi um acidente. Segundo a Revista Brasileira de Otorrinolaringologia, um som com intensidade entre 84 e 90 dB causa lesão irreversível na cóclea (em formato de caracol, é a parte do ouvido interno onde estão os terminais nervosos responsáveis pela audição). Esta lesão será mais ou menos grave quanto maior for o ruído.

Pete Townshend fundou o instituto HEAR (Hearing Education and Awareness of Rockers, Educação Auditiva e Prevenção ds Roqueiros), que visa alertar aos músicos e prevenir a surdez causada pela alta intensidade do som nos shows em geral.

Alguns sintomas podem avisar se a orelha está sofrendo de sobrecarga:
dificuldade de entender o que se é dito, perda de audição, tinitus (um som agudo e persistente vindo de dentro do ouvido que pode surgir em decorrência de uma infecção, por exemplo), otorreia, tonturas, e outros.

A OMS (Organização Mundial da Saúde) considera 50 dB (decibéis) o volume máximo para que um som não cause nenhum mal ao organismo humano. A partir disso, efeitos negativos já começam a afetar a audição. Para entender melhor, aqui estão alguns exemplos de intensidade sonora:

- torneira gotejando (20 db), mesmo de madrugada. Um som desta intensidade no meio da noite pode deixá-lo muito irritado, mas não o deixará surdo!;
- sussurro (30 dB);
- música baixa (40 db), mesmo aquela que você não gosta!;
- conversa tranqüila (40-50 db);
- conversa normal (60 dB). Essa medição não vale se sua família for italiana, como a minha!;
- restaurante com movimento (70 db);
- secador de cabelo e trem de metrô (90 db);
- caminhão (100 db);
- buzina de automóvel (110 db);
- turbina de avião (130 db);
- tiro de arma de fogo próximo (140 db)

A partir de uma intensidade de 120 dB, o nosso ouvido começa a doer.

Poluição Sonora

Não é só esse tipo de som que nos incomoda. A poluição sonora está presente no nosso dia-a-dia, causando estresse, depressão, ansiedade, problemas cardíacos e até surdez. Ela é definida como sons, barulhos ou ruídos de duração prolongada e com intensidade incômoda aos ouvidos humanos, e pode vir dos barulhos do trânsito, cachorros latindo, restaurantes, máquinas funcionando, telefones tocando, entre outros. Ruídos da natureza não são frequentemente classificados como poluição sonora por causa de sua duração, como um trovão, intenso, mas curto.

Ser atingido pela poluição sonora parece inevitável, mas não é: nós podemos, sim, reduzir que nos cerca. Para começar, desligue-se de tudo e desligue tudo:a TV, o celular, as lâmpadas florescentes, o computador, e tudo o mais que puder. Feito isso, tente identificar cada mínimo ruído que ouve. Grandes cidades produzem sons que podem parecer banais, mas geram grande desconforto, e reconhecê-los e as suas fontes pode reduzir o estresse advindo deles.

Marina Domene

Não há imagens, mas aqui está a gravação da música de encerramento do show ensurdecedor:

Whoosh!

2010-04-27T22:21:00.000-03:00

Whoosh! - watch more funny videos

20 melhores trilhas sonoras

2010-04-19T09:05:00.001-03:00

19/04/2010

Em homenagem ao compositor Ennio Morricone, o site Playlist preparou uma lista com as 20 melhores trilha sonora de filme e seus compositores.

Ennio Morricone é compositor, maestro e arranjador. Ele compôs a trilha sonora de mais de 500 filmes e programas de TV e 120 peças para orquestras ainda inéditas. Ultimamente, o italiano nascido em Roma, em 1928, tem focado seu trablho nestes arranjos, deixando o cinema e a tv em segundo plano. Recentemente, fez um concerto no Royal Albert Hall, em Londres.

Para homenagear e gravar na memória este show raro, em que o italiano executou algumas de suas obras para cinema, o site britânico Playlist elegeu uma lista com as 20 melhores trilhas sonoras e seus compositores.

Os 5 primeiros da lista

1 - Lawrence da Arábia (1962)

Compositor: Maurice Jarre

2 - O Terceiro Homem (1949)

Compositor: Anton Karas

3 - Sete Homens e um Destino (1960)

Compositor: Elmer Bernstein

4 - Três Homens em Conflito (1966)

Compositor: Ennio Morricone

5 - Casablanca (1942)

Compositor: Max Steiner

Ennio Morricone

Ennio Morricone compôs a trilha sonora de diversos filmes, inclusive algumas das mais conhecidas dos "western spaghetti", ou bang-bang à italiana, dirigidos pelo cineasta Sergio Leone. Dentre os mais conhecidos estão "Por um Punhado de Dólares" (1964), "Por Uns Dólares a Mais" (1965), "Três Homens em Conflito" (1966) e "Era uma Vez no Oeste" (1968). As principais obras para o cinema de Morricone são "Era Uma Vez na América" (1984), "A Missão" (1986), "Os Intocáveis" (1987) e "Cinema Paradiso" (1988).

Marina Domene

Top 100 Melhores Álbuns da Década

2010-03-31T21:15:00.001-03:00

Com o fim da década de 2000, a revista britânica Rolling Stone elegeu os 100 melhores álbuns dos últimos 10 anos.

A revista britânica Rolling Stone elegeu os 100 melhores álbuns da primeira década do século XXI. Mais de cem 100 pessoas listaram os 25 álbuns lançados entre 2000 e 2009 de que mais gostaram, em ordem de preferência.
As 100 pessoas que compuseram o grupo são parte da equipe da Rolling Stone, artistas e jornalistas. Nomes famosos também opinaram, entre eles, Yoko Ono.
Na lista dos 100 melhores álbuns entraram 74 artistas diferentes. Destes, 19 bandas tiveram mais de um álbum escolhido: 14 tiveram dois álbuns, 3 tiveram 3 álbuns (U2, Coldplay e Kings of Leon) e 2 tiveram 4 álbuns escolhidos (Kanye West e Radiohead, eleito o primeiro lugar).

Os 5 melhores álbuns

1° Lugar: Radiohead, com 4 álbuns no top 100, com o álbum Kid A, lançado em 2000; (How to Disappear Completely)

2° Lugar: Is This It, álbum de estreia dos The Strokes, lançado em 2001; (Last Night)

3° Lugar: Yankee Hotel Foxtror da banda Wilco, também lançado em 2001; (Ashes of American Flag)

4° Lugar: o álbum The Blueprint, de Jaz-Z, lançado em 11 de setembro de 2001; (Jigga That Nigga)

5° Lugar: o álbum Elephan, dos Whiste Stripes, lançado em 2003. (Seven Nation Army)

A lista completa de álbuns eleitos pode ser acessada por este link (http://www.rollingstone.com/news/story/31248017/100_best_albums_of_the_decade/44)

Gatos e música estão entre as melhores combinações que já passaram pela Broadway, e agora vêm a São Paulo.

2010-03-16T15:29:00.001-03:00

16/03/2010

Uma combinação curiosa de gatos cantores tem levado milhões de pessoas ao teatro. O musical "Cats" estreou em São Paulo em uma quinta-feira, dia 4 de março, e poderá ser visto no Teatro Abril, até dia 30 de maio. As canções do musical foram traduzidas e adaptadas por Toquinho.

A peça foi baseada em 14 poemas do livro infantil "Old Possum's Book of Practical Cats", do americano T. S. Elliot. As letras originais são de Tom Rice, e os arranjos, de Andrew Lloyd Webber, o mesmo de "O Fantasma da Ópera". A história se passa em um beco londrino, numa noite em que uma tribo de gatos compete por uma grande oportunidade de fazer uma viagem para outra vida!

O espetáculo estreou no New London Theatre, em Londres, em 11 de maio de 1981. Em 7 de outubro de 1982, foi para a Broadway, onde conquistou o record de maior período de permanência, em 1997. "Cats" é o segundo espetáculo mais visto da Broadway. Só ali foi apresentado 7485 vezes. Em Londres, a peça teve 8949 apresentações.

E espetáculo "Cats" foi traduzida para 10 línguas e recebeu 10 prêmios, e foi apresentado em mais de 20 países e 250 cidades.

As 10 canções do musical foram traduzidas e adaptadas para o português por Toquinho. O compositor já havia trabalhado em parceria de Paulo Cesar Pinheiro, em 2000, para compor as 8 canções da peça "Outros Quinhentos", de Millôr Fernandes, em comemoração aos 500 anos de Descobrimento do Brasil. Entretanto, a peça só ficou em cartaz durante um final de semana. Em entrevista, o cantor declarou que quase desistiu do desafio de "Cats" quando percebeu que o trabalho seria muito maior do que imaginou, já que tudo deveria ser preciso. O espetáculo precisava ser tão fiel ao original quanto fosse possível, contando com a presença do coreógrafo e de uma das atrizes que trabalharam na primeira montagem da peça.

Um musical

Um musical é uma peça de teatro em que se combinam dança, música, canções e diálogos falados. Este gênero é semelhante à ópera e ao cabaré, apesar dos estilos serem distintos. Para que uma peça desse gênero faça sucesso, precisa ter canções marcantes.

No caso de "Cats", os atores cantam acompanhados por uma banda. Tudo ao vivo.

A banda é formada por dez músicos: 3 pianistas, um violoncelista, um trompista, dois saxofonistas (que tocam flauta e clarinete também), um baixista, um guitarrista, um violonista e um baterista (que toca todo o set de percussão).

"Tocamos em um estúdio atrás do palco. De lá, o maestro só tem contato visual com os cantores por meio de monitores", diz o guitarrista Jorge Ervolini. É muito comum os músicos não estarem no campo de visão da plateia em espetáculos desse tipo. A banda pode estar em um estúdio, como no caso de "Cats"; no caso do chamado "fosso de orquestra", um andar mais baixo, localizado entre a plateia e o palco, o maestro tem contato visual direto com o elenco. Há alguns casos em que alguns músicos tocam em um outro andar, vendo o maestro através de monitores,os instrumentos são microfonados para que soem em conjunto com outros, um recurso usado quando não há espaço para todos os músicos no fosso de orquestra.

Onde e quando vê-lo

"Cats" está em cartaz no Teatro Abril, na Av Brigadeiro Luis Antonio, nº 411, no bairro da Bela Vista, e tem duração de 2h e 40min, com cerca de 20min de intervalo. O ingresso mais barato custa R$70, e vale para o Balcão B.

Marina Gialluca

Preto e Branco e Estúdio Next premiados pela Unesco por trabalho sobre a Ditadura.

2010-03-02T15:25:00.003-03:00

Anualmente, a UNESCO promove o FIAMP, Festival Internacional do Audiovisual e da Multimídia sobre o Patrimônio. Este Festival foi criado para promover e disseminar produções no campo de museus cibernéticos. Ele premia filmes e vídeos de diversas metragens e algumas artes em multimídia.

Este ano, o vídeo brasileiro “Memorial da Resistência”, realizado pela produtora de audiovisual Preto e Branco, com trilha sonora de Mauricio Domene, do Estúdio Next, ganhou o Grand Prix na categoria Curta Metragem.

O vídeo é exibido em uma das salas do antigo prédio do DOPS, Departamento de Ordem Política e Social, numa exposição permanente chamada Memorial da Resistência, que retrata as condições e o tratamento recebidos pelos presos políticos durante o Regime Militar brasileiro, de 1964 a 1979.

A trilha sonora para o vídeo foi toda composta com sons de piano preparado. Esta técnica, criada por John Cage, consiste em produzir sons quase estranhos, obtidos a partir de batida na madeira, arranhaduras nas cordas e colocando-se objetos próximos a elas.

Segundo o site oficial do Festival, o vídeo foi premiado “por sua capacidade de usar uma encenação original capaz de envolver emocionalmente o espectador, sem abrir mão do rigor científico, comunicado com precisão”.

Brian Eno

2010-02-22T10:09:00.001-03:00

Brian Eno foi integrante da banda Roxy Music (sintetizadores, década de 1970), compositor inovador (criador da Ambient Music), e produtor de bandas como Talking Heads, Devo, Cold Play, fez remix para Depeche Mode e Massive Attack.. ah, estava esquecendo: produziu 7 albuns para o U2. Só besteirinhas, coisa pequena...

A entrevista é longa, mas muito boa. Documentário produzido pela BBC:

Ruído ou música II

2009-12-16T00:29:00.001-02:00

Nem preciso comentar...

Ruído ou música? Depende...

2009-10-28T19:28:00.000-02:00

Tem gente que ouve música até onde não tem.

Ouve o que esse cara fez com o filme Pulp Fiction:

Nas aulas de música que eu tive quando era criança aprendi que música era diferente de ruído. Mas ninguém explicou por que. Nem eu entendi, já que adorava usar ruídos pra fazer música. Acho que vem daí minha admiração pelo Hermeto Pascoal.

Há uma teoria que diz que a diferença entre ruído e música é a periodicidade. Ou seja, se pegarmos um ruído e o repetirmos em um intervalo constante, ele vira música.

Pode experimentar ai: pega uma colher e bate numa xícara e você tem um ruído. Bate a colher na xícara com constância e você tem 2 coisas: Rítmo (música) e uma mulher gritando pra você parar que parece criança na mesa.

A morte da Voz da América Latina: Mercedes Sosa

2009-10-06T09:30:00.002-03:00

Música e Resistência

Entre os anos de 1960 e 1985, muitos países latino-americanos viveram sob ditaduras militares cujo método de garantir a ordem era calar a população. Para isso, não havia limites. Na Guatemala, estima-se que 45 mil pessoas tenham desaparecido debaixo dos regimes de repressão; Na Argentina, cerca de 30 mil foram seqüestradas; Em 11 de setembro de 1973, Augusto Pinochet tomou o poder no Chile, e aproximadamente 31 mil pessoas desapareceram nos anos seguintes. Outros países também sofreram revezes em suas histórias através da tomada de poder e posterior implementação de regimes ditatoriais. Na República Dominicana, em1966, Joaquín Balaguer tomou o poder fraudando eleições e reprimindo severamente opositores políticos; No Haiti, em 1957, François “Papa Doc” Duvalier foi eleito presidente mas passou a governar numa ditadura sangrenta e baseada na tortura e no terror. Foi sucedido por seu filho, “Baby Doc”, igualmente perverso; No Uruguai, em 1973, foi o grupo guerrilheiro articulado pelos Tupamaros que serviu de base para a implantação da ditadura militar; No Paraguai, a ditadura militar do General Alfredo Stroessner, “El Rubio”, foi instaurada em 1954 e só começou a enfraquecer em 1989. Desde janeiro de 1959, Fidel Castro governa Cuba sob a marca do medo e do silêncio. No Brasil, em 1964, teve início o período sombrio da história com a Ditadura Militar, só encerrado em 1982, com a realização de eleições indiretas, cujo candidato mais forte era um civil.

A arte toda fala da realidade de um país, mas é a música a ser reproduzida na voz das pessoas nas ruas, no canto do rádio que invade a atmosfera e os ouvidos do povo, liberando gritos por justiça. Em cada um dos países citados, sangue de músicos foi derramado para que não fossem eles os profetas da liberdade que seus povos ansiavam.

Cada um dos países teve seu mártir vindo da música. Por exemplo,Victor Jará, assassinado no Chile; Daniel Viglietti, perseguido no Uruguai; Glória Estefan, que abandonou Cuba para não ser morta; Geraldo Vandré, torturado no Brasil.

Mercedes Sosa foi esta voz maior, este tributo à liberdade cantado a plenos pulmões. Quem dera cada músico olhasse para estes mártires e tornasse um bem maior para seus povos, um caminho que os levassem à dignidade e à cidadania.

Mercedes Sosa morreu no domingo, dia 04 de outubro. Desde 18 de setembro, a saúde de Mercedes deteriorou-se. Internada na UTI de um hospital em Buenos Aires, com problemas renais progressivos, complicações cardiorrespiratórias e respirando com a ajuda de aparelhos, Mercedes recebeu a extrema unção na sexta-feira, indicando que seu quadro era irreversível.

Fábio Matus, único filho de Mercedes, disse à imprensa argentina que sua mãe viveu uma vida plena e fez praticamente tudo o que quis.

Mercedes é uma das intérpretes mais conhecidas da música latino-americana e a mais famosa artista Argentina, citada ao lado de nomes como Carlos Gardel e Astor Piazzolla. Mercedes Sosa foi um "símbolo de liberdade". Ela inspirou combatentes dos regimes militares por toda a América Latina.
“A vida me escolheu para cantar”, declarou poucos meses atrás.

Mercedes Sosa foi indicada para 3 prêmios Grammy’s 2009, incluindo o de melhor álbum.
Morre alguém que fez muito mais do que arte. Mercedes guerreou por seu povo. A voz da América Latina se calou para sempre.

História

Haydée Mercedes Sosa nasceu em San Miguel de Tucumán, Argentina, em 9 de julho de 1935. O lugarejo era pobre e sua família trabalhava na lavoura. Desta vida humilde veio o apego às expressões artísticas populares. Adolescente, gostava das danças folclóricas, e até de ensiná-las, além de cantar.

Em outubro de 1950, arriscou-se em um concurso organizado pela rádio LV 12, da cidade onde vivia. Mercedes contava que só se inscreveu por causa do incentivo e insistência de um grupo de amigas. A vitória no concurso levou-a ao primeiro contrato... De 2 meses de duração. Mas o timbre grave de sua voz e seu estilo folclórico atraiu a atenção de muita gente.

Mercedes Sosa ficou conhecida por uma militância política corajosa.

Com 25 anos, em fevereiro de 1963, comprometeu sua voz e sua carreira com a música de raiz argentina, integrando-se ao movimento Nuevo Cancionero, fundado pelos artistas Manuel Orçar Matus (marido de Mercedes); Armando Tejada Gómez (autor de "Canción con todos", considerado um hino latino americano. Em 1952, Gómez sofreu banimento da profissão de locutor de rádio na Argentina por se negar a usar luto pela morte de Eva Perón); e Tito Francia. O movimento nasceu na cidade de Mendonza, e suas raízes fincavam-se na cultura afro, cubana, andina e espanhola. O movimento também propunha que a música retratasse a luta diária do povo argentino, suas alegrias, suas tristezas; seus fundadores rechaçavam o que chamavam de imperialismo norte-americano e a desigualdade social. Este mesmo movimento conquistou vozes como as de Caetano Veloso, Gilberto Gil e Chico Buarque.

Em 1965, Mercedes passou a ser chamada de La Negra: por causa dos cabelos negros, lisos e sempre longos, sua pele escura e sua ascendência nativa. Mercedes nunca se opôs ao apelido!

Em 1967, sua voz, seu jeito de cantar e sua personalidade ganharam a Europa e os Estados Unidos, em turnês que percorreram o solo anglo saxão.
Durante alguns anos, Mercedes Sosa e o marido cantaram em universidades argentinas promovendo a cultura popular.

A personalidade e atitude de Mercedes surpreendiam o público. Seu marido lançou um selo independente para abrigar os álbuns que eles lançavam. Mas, apenas em 1965, durante o Festival Nacional de Folclore de Cosquín, Mercedes foi apresentada ao grande público”. Em abril de 1967, Mercedes gravou “Mujeres Argentinas”, trabalho que foi concretizado somente em 1969, quando a Argentina entrava no seu período de ditadura. Muitos argentinos foram presos, e algumas músicas de Mercedes Sosa sofreram censura na Rádio Nacional, emissora estatal Argentina.

O ano de 1973, foi um ano de lutas pela volta da democracia na Argentina, e um tempo de muita violência. Mercedes continuava seu trabalho militante, cantando a realidade que o país vivia.

Em 1976, Mercedes Sosa lançou um álbum em que cantava a poesia de artistas como Pablo Neruda, Víctor Jará, Alicia Maguiña ,Ignacio Villa, e outros.

Em 1977 o clima político e social na Argentina era extremamente tenso. Em 1979, a violência sacudia a sociedade argentina, e Mercedes continuava a cantar, apesar da morte de segundo marido. Havia um clima hostil entre ela e o governo argentino, que queria obrigá-la a exilar-se. Durante um show em La Plata, cidade universitária controlada pela ditadura, a polícia formou um cerco em torno da casa de espetáculo onde Mercedes se apresentava, deteve La Negra e todo o público que ali a prestigiava.

Mercedes foi liberada depois de 18 horas por causa da pressão dos veículos e organismos internacionais, mas resolveu exilar-se, embarcando para Paris com uma pequena bagagem e uma bolsa de mão. Em 1980, mudou-se para Madri.

Teoricamente, Mercedes Sosa podia entra e sair da Argentina livremente, mas não tinha autorização para cantar. Ela não poderia viver assim. Num país onde a vida humana não tinha nenhum valor, e milhares de pessoas desapareciam sob a escuridão de um regime usurpador, a voz de Mercedes seria um grito de liberdade. Mercedes sabia o que ocorria com os artistas que tinham permanecido na Argentina durante aqueles anos.

Mercedes só teve permissão para apresentar-se na Argentina em 1982, poucos meses antes de ser deflagrada a Guerra das Malvinas. Sua reestréia em Buenos Aires ocorreu no Teatro Ópera, em uma temporada muito comemorada. Mas foi só uma passagem. Mercedes só receberia autorização para voltar para casa em 1984, com o fim da ditadura. No show de sua volta, uma multidão a assistiu em Buenos Aires. O show teve a participação de Milton Nascimento, que também a incentivou a firmar carreira no Brasil.

Mercedes cantou com artistas do mundo todo, como Sting, Andrea Bocelli, Luciano Pavarotti, Nana Mouskouri, Joan Baez, Silvio Rodríguez e Pablo Milanés, e muitos outros.

Homenagens e Prêmios

Mercedes recebeu muitas homenagens ao longo da vida. Em 1989, ganhou a medalha da Ordem do Comendador das Artes e Letras do governo da França e , em 1992, foi declarada cidadã ilustre de Buenos Aires; em 2000, recebeu o Grammy Latino de melhor intérprete internacional; Está indicada para 3 Gramy’s 2009, incluindo melhor álbum.

A carreira de Mercedes pelo Brasil teve o apoio de Milton Nascimento, com quem gravou a faixa “Volvera los 17” do álbum dele Geraes – 1976. Mercedes Sosa fez parceria vocal com Beth, Carvalho (So le piedo a Dios. Ela cantando em espanhol e Beth em português!), Fagner (Años – 1891), Caetano Veloso, Chico Buarque, Daniela Mercury... A lista é longa!

texto: Chris Gialucca

Mistérios da música

2009-09-28T11:45:00.002-03:00

Algumas reações das pessoas com a música são complicadas de entender.

Por exemplo: porque algumas músicas simples, e até mesmo bobas, ou sem grandes atrativos, mexe tanto com a gente. E mais complicado de entender quando isso acontece não só comigo (um individuo), mas quando a coisa se espalha como praga, e desperta em muitas pessoas um mesmo sentimento.

Será o sentimento de pertencimento? De grupo? O mesmo que ocorre numa torcida de estádio? Que empolgação é essa?

Mas o mistério mesmo está nisso: porque algumas músicas provocam isso enquanto outras não?

I Gotta Feeling (do Black Eyed Peas) faz isso. Apesar da música ser fraquinha (do ponto de vista puramente musical), ela mexe. E, claro, provoca uma avalanche de vídeos.

Começando com o garoto na loja da Apple dublando:

O próprio Black Eyes Peas no programa da Oprah:

E um vídeo muito bacana feito pela turma daUQAM (Quebec, Canada, num plano sequencia de dar dor de cabeça só em imaginar o planejamento pra fazer dar certo:

Aconteceu a mesma coisa com a Macarena. Mas essa eu vou poupar vocês e não vou colocar um vídeo.

40 Anos do festival de Woodstock

2009-08-14T10:46:00.001-03:00

A primeira Rave: agosto de 1969

Quatro rapazes. Dois tinham dinheiro, dois tinham idéias. Os dois das grandes idéias queriam montar uma gravadora para oficializar a música da cidadezinha onde moravam chamada Woodstock, pertinho de Manhatan, ou realizar um festival que incluísse música, arte e estilo de vida.

Juntos, John Roberts, Michael Lang, ambos com 24 anos de idade, e Artie Kornfeld e Joel Rosenmann, com 26, realizaram a primeira rave da história: três dias de música, cores, idéias e drogas.

Eles decidiram que o evento seria realizado fora da cidade, para enfatizar o clima de “volta ao campo”. Para atrair o público jovem, foram usados os símbolos e frases consagrados pela contracultura. Uma tornou-se o lema: “Três dias de paz e música”. Os planos eram reunir 100.000 pessoas, mas Woodstock superou todas as expectativas: quase meio milhão de pessoas acompanharam os três dias de “mentes abertas”. O festival gerou um dos maiores congestionamentos de Nova York, e nenhum acidente!

Mas, o que foi o festival de Woodstock, afinal? É preciso entender um pouco do mundo em que eles viviam.

A história

Nos anos 50, acabada a 2ª Grande Guerra, a Guerra fria começou a se instalar. De um lado a União Soviética, recém fortalecida. De outro, os Estados Unidos, a nação mais próspera e suas fortes tendências colonialistas.

Dentro dos Estados Unidos, surge o macartismo, um movimento conservador que desencadeou uma campanha anti-comunista e anti-socialista e tentava disseminar o fundamentalismo norte-americano. Muitos artistas, produtores e intelectuais foram incluídos numa lista de suspeitos de serem comunistas e combater os valores “americanos autênticos” e vigiados dentro de seu próprio país. Um deles foi Charles Chaplin, perseguido pelo FBI por causa das mensagens humanistas de seus filmes. Em 1952, Chaplin deixou os Estados Unidos.

Mas sempre tem alguém descontente!

Esse tal de Elvis Rock Presley in Roll

Lá pela metade dos anos 50, da música que soava dos guetos negros saiu um garoto com uma voz lindíssima, uma dança sexy, e branco. Elvis apresentou o rock ao público branco.

Os Beatnicks

Os beatnicks foram uma geração que teve que sair de casa e freqüentava muito as rodovias, como a famosa Rota 66. Eram jovens que se conheceram na universidade, que liam Kafka e Nietzsche, Melville e Withman, autores considerados nada ortodoxos na época. Estes jovens não eram bem vistos pela sociedade, e tentavam mostrar seu desgosto com a cultura contemporânea.

O beatnick valorizava a individualidade, o livre arbítrio, a experimentação e a mudança, fazendo oposição à manutenção dos antigos valores da burguesia.

Segundo escritos beats, eles queriam o direito de serem eles mesmos; não tinham solução para os problemas do mundo, nem para os seus próprios!

Algumas das características do movimento foram a criação espontânea, seguindo um ritmo mental fluente, cheio de frases em movimento, liberdade na poesia, cheia de imagens surreais, livre de padrões, com versos de 5 linhas; na música, encontrava seus paralelos no bebop de Charlie Parker, no ato de criação contínuo e improvisos no palco; na pintura, o expressionismo abstrato de Jackson Pollock, aqueles quadros que mais parecem “borrões” sobrepostos!

O principal nome do movimento é Jack Kerouac, um escritor que acreditava que sua missão era escrever livros e pregar a bondade universal. Seu objetivo era a liberdade para o homem, num certo prenúncio do que seriam os hippies nos anos 60.

Outro expoente beatnick foi William Borroughts, um herdeiro rico, formado em medicina, mais velho e mais culto que todos os outros beats. Foi viciado em heroína por 10 anos.

Descreveu aqueles anos em um livro chamado Naked Lunch, contando de viagens e paranóias, permeadas de horrores do imaginário; mundo habitado por traficantes e lagartos; “o inferno”, segundo o autor de A Laranja Mecânica.

Nos anos 60…

Nos anos 60, deixando para trás o rock inocente e romântico dos anos 50, surgem artistas preocupados em que suas músicas passassem mensagens políticas e acordassem o grande público, enquanto o mundo entrava na era do consumo! As regras chegavam às pessoas através da tv, e a guerra fria continuava esquentando as cabeças.

Em 1961, os Beach Boys faziam sucesso tocando a “surf music” nas praias, estilo inspirado no doo woop, dos grupos musicais que cantavam de terno e estalavam os dedos, com uma afinação impecável.

Quase ao mesmo tempo, nos bares, tendo como base o folk, surgiram artistas como Bob Dylan e Joan Baez, que mudariam mais uma vez a cara do rock.

Em 1963, o trabalho de Bob Dylan já repercutia, e as letras inteligentes de sua música chamavam a atenção de público e crítica, fato inédito até então na música pop. Em maio daquele ano foi realizado o Monterey Festival, na Califórina, reunindo Bob Dylan e Joan Baez, além de outros artistas do estilo como Peter Seeger e o trio Peter, Paul & Mary. Lembram-se do macartismo? Pois é, a música folk e, principalmente, Bob Dylan seriam taxados de comunistas, o que atraiu ainda mais a atenção do público jovem, cada vez mais sedento de novidades!

Enquanto isso, na Inglaterra, os Beatles já começavam a dar seu recado.
Em 1965, na Califórnia, surge o The Doors, liderado por Jim Morrison. Naquela época, rock e drogas andavam quase sempre juntos. As drogas não mais eram apenas consumidas para eliminar o cansaço como se dizia, mas também buscar prazer e estados alterados de percepção. A música da época foi fortemente influenciada por drogas como LSD, o que acabou rendendo ao rock o título de “Música do Diabo”.

Hippies

Mas os anos 60 foram também a década do movimento hippie, uma versão em cores dos beatnicks, e sua mensagem era de paz, amor e sexo livre. De cabelos grandes, batas e drogas, o movimento hippie opunha-se aos valores consumistas e à política bélica dos Estado Unidos. Ele queriam acabar com a pobreza, o racismo, denunciar a poluição do ar, libertar-se da inveja e da cobiça.

Em 1967, de 16 a 18 de junho, na California, foi realizado o Monterey Pop Festival, considerado o primeiro grande festival de rock. Graças à cobertura dada ao festival, os hippies e seus melhores grupos de rock ganharam fama internacional. Eram esperadas cerca de 7 mil pessoas, mas o Festival acabou recebendo mais de 50 mil, a maioria sem ingresso. O slogan do festival era “Música, amor e flores”. O Festival de Monterey mostrou ao mundo duas estrelas: Janis Joplin e Jimi Hendrix, os ícones do movimento hippie, e contou ainda com The Animals, Simon and Garfunkel, Bufallo Springfield, entre outros.

Em 1968, nasce o Led Zeppelim de Jimmy Page com sua sonoridade inédita e mais agressiva do que qualquer música anterior, embora carregasse a herança do blues.

Em 1969, a morte de um fã durante um show dos Rolling Stones durante uma apresentação gratuita no festival de Altamond, na California, foi marcante.

Mesmo assim…

Naquele mesmo ano foi realizado o maior festival de música até então.
Entre 15 e 17 de agosto, numa fazenda em Woodstock, interpretado por muitos como o marco do início de uma nova era de paz e amor, com apresentações entre outros de Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jefferson Airplane e The Who, foi realizado o Woodstock Music & Arts Fair Festival. O valor do ingresso para o fim de semana era 18 dólares, mas a maior parte do público invadiu o local derrubando as cercas, sem pagar nada. Na faixa!
Foi ali onde Crosby, Still, Nash and Young tocaram para mais de 400 mil pessoas; e onde aproximadamente 320.000 pessoas viram Jimi Hendrix tocar.

O festival teve duração de 3 dias. Mas no quarto dia, diante de pessoas que insistiam em não ir embora, drogados demais para voltar para casa, debaixo de um sol intenso, Jimi Hendrix subiu ao palco, e fez sua famosa interpretação do hino nacional dos Estado Unidos, “The Star Spangled Banner”, arrancando de sua guitarra explosões de bombas, granadas, rajadas de metralhadoras e roncos de helicópteros, uma alusão à guerra do Vietnã.

Era 18 de agosto. Foi o ápice.

Por três dias, o local tornou-se uma mini-nação hippie, onde as mentes estavam “abertas”, drogas eram totalmente permitidas, e o amor era livre.

O Festival criou um dos piores engarrafamentos da história norte-americana, e foi um marco na história da música mundial.

O primeiro dia de Woodstock reuniu diversos astros da folk music numa atmosfera acústica; várias canções refletiam a agitação da sociedade norte-americana dos anos 60. Country Joe McDonald cantou I Feel I´m Fixing to Die, uma afiada sátira à guerra do Vietnã; Joan Baez criticou os conservadores em Drug Store Truck Driving Man,e ironicamente, dedicou-a ao então governador da Califórnia Ronald Regan.

Quem abriu o festival foi Richie Havens, que tocou duas músicas.

As imagens gravadas do público mostram que o slogan não era só uma frase, e que o clima de “paz e amor” realmente se instalou por lá.

Já no dia 18, o indiano e pai da cantora Norah Jones, Ravi Shankar, tocou uma música instrumental no ritmo de seu país.

Arlo Guthrie cantou Bob Dylan na música Walking Down The Line.

Alguns números

Três pessoas morreram (uma por overdose de heroína, uma por ruptura de apêndice e outra atropelada por um trator);

Quarto abortos foram comunicados;

Duas pessoas nasceram;

Dezoito médicos e trinta e seis enfermeiros fizeram 6.000 atendimentos; no dia 16 de agosto, mais 50 médicos foram chamados;

Aproximadamente 100 pessoas foram presas por envolvimento com drogas;

Quinhentos mil sanduiches foram consumidos no primeiro dia de festival;
Seiscentos banheiros químicos foram instalados no local;

Houve prisões por envolvimento com drogas, mas nenhum incidente violento, nem nos arredores da fazenda onde era realizado o evento, apesar da multidão acampada ali;

Quase 500.000 jovens descobriram que as palavras compartilhar, ajudar, consideração e respeito são muito poderosas;

Aqueles jovens saíram de Woodstock com uma visão totalmente nova da vida: “saíram de lá sentindo-se ungidos de santidade, como seres privilegiados de outro planeta”, como alguém descreveu.

O evento foi documentado em um filme de mais de três horas de duração, dirigido por Michael Wadleigh

Quem tocou lá

Primeiro dia:
Richie Havens
Sweetwater
Bert Sommer
Tim Hardin
Ravi Shankar
Melanie
Arlo Guthrie
Joan Baez

Segundo Dia
Quill
Country Joe McDonald
John B. Sebastian
Keef Hartley Band
Santana
Incredible String Band
Canned Heat
Grateful Dead
Creedence Clearwater Revival
Janis Joplin
Sly & The Family Stone
The Who
Jefferson Airplane

Terceiro Dia
Joe Cocker
Country Joe & The Fish
Leslie West/Mountain
Ten Years After
The Band
Johnny Winter
Blood Sweat And Tears
Crosby, Stills, Nash & Young

Quarto Dia
Paul Butterfield Blues Band
Sha-Na-Na
Jimi Hendrix

Moral da estória!

Uma nova moral, nova ética, novos valores foram plantados na mente das pessoas. Esta semente ainda existe dentro de quem se permite sonhar e acreditar na realização de seu sonho. Aliás, um sonho que ainda não acabou…

Quanto ao rock, grandes músicos o elevaram à categoria de arte, fazendo desaparecer para sempre a simplicidade característica de seus primeiros anos.

Mas nem tudo terminou em flores…

Jimmy Morrison acabou morrendo de overdose, aos 27 anos.
Jimi Hendrix morreu sufocado pelo próprio vômito, também vítima de overdose, também aos 27 anos. Janes Joplin teve o mesmo fim. Ela também tinha 27 anos.

Por Chris Domene - Jornalista

O poder da Escala Pentatônica

2009-07-31T18:05:00.001-03:00

5 notas. Só 5 notinhas. Isso é a escala pentatônica.

Se o nome não é familiar, com toda certeza você já ouviu ela milhares de vezes.
É a escala mais intuitiva. Usada em muitas formas de música primitiva.

Os índios usam flautas com a escala pentatônica. Os chineses usam a escala pentatonica. O Blues usa a pentatônica. Música escocesa (gaita de foles), música gospel (Amazin Grace é composta usando somente as notas da escala pentatônica), as orquestras de gamelan na Indonésia usam a pentatônica.

Claude Debussy usou, os cantos gregorianos usam, os gregos antigos, Keith Richard dos Rolling Stones.

A sua mãe quando limpa o piano e passa o pano de pó nas teclas pretas toca a escala pentatônica.

Em qualquer parte do mundo essa escala é muito difundida. De alguma forma, ela parece estar impregnada na nossa mente. Por que? Como?

Os neurociêntistas não explicam, mas o Bobby McFerrin demonstra com uma clareza que só vendo.
Então veja:

Jingle ao Contrário

2009-07-10T16:20:00.001-03:00

Um jingle normalmente é feito para enaltecer um produto, ou provocar uma maior simpatia com determinada marca. E se bem feito, é muito eficaz.

Mas e um jingle ao contrário? Feito para falar mal de uma empresa?

Foi o que Dave Carrol fez.

A história

Dave é um cantor de country e estava viajando com sua banda para tocar em Nebraska. O violão de Dave foi tratado de forma não muito delicada pelos carregadores do avião, e o resultado foi um violão de U$ 3500 quebrado.

Cansado de ser enrolado por 9 meses pela United Airlines para ter o reembolso de sua perda, resolver fazer o que melhor sabe fazer: compôs uma canção falando mal da empresa e colocou no Youtube.

Resultado: em 4 dias o vídeo foi visto por mais de 1.4 milhão de pessoas. Acho que o prejuízo de imagem da United foi bem maior que os U$ 3500 que ela devia ao Dave Carrol.

Detalhes da história:

www.davecarrollmusic.com

A tecnologia se rende à tradição

2009-05-25T11:40:00.008-03:00

Os estúdios de criação de trilha tem se tornado cada vez mais centrais de tecnologia, softwares sofisticados, instrumentos virtuais, etc.

Mas algumas vezes o velho e bom papel pautado e lápis saem do armário e se metem no meio da produção.

Foi o que aconteceu na criação de uma vinheta para uma rádio grande de São Paulo. Na hora de decidir qual a melhor linha melódica para se cantar o nome da rádio, o papel e lápis ganharam em praticidade do computador e seus software quase mágicos.

O resultado final ficou ótimo, e terminamos com 20 canais de gravação só de vocal.

Assim que o job estiver aprovado eu coloco aqui pra vocês ouvirem.

Mauricio Domene

Larry Lessig: How creativity is being strangled by the law

2009-05-15T11:15:00.003-03:00

Infelizmente, só em inglês. Mas no site do TED tem como assistir com legendas em espanhol (e inglês, que as vezes ajuda).

O advogado Larry Lessing fala sobre direito autoral, senso comum, creative commons, e como podemos sobreviver nesse emaranhado de conceitos caducos de cópias ilegais, P2P, remix, mashups, etc

Não se deixe perder nos primeiros minutos da apresentação porque tudo fará muito sentido logo adiante.

Larry Lessig, the Net’s most celebrated lawyer, cites John Philip Sousa, celestial copyrights and the "ASCAP cartel" in his argument for reviving our creative culture.

Larry Lessing on TED

Mauricio Domene

Trilhas sonoras inapropiadas

2009-05-15T10:30:00.003-03:00

Uma música pode mudar todo o ritmo de uma cena. Por isso é tão díficil compor uma trilha apropiada para um filme. Para provar essa tese, o site Trailer Trash compilou uma série de cenas clássicas do cinema e deu um toque especial com trilhas inapropiadas. Assista e comprove a importância do trilheiro.

DVD em 1932?

2009-04-30T07:00:00.000-03:00

Uma proposta da RCA Selectavision, uma divisão da RCA de onde vieram a fita magnética e o VHS... em 1932.

Veja o "anúncio":

"Home Movies From Phonograph Records

PLAY a moving picture from a phonograph record!

When Baird, the English television experimenter, suggested this system several years ago, he did not realize how soon it would be before his prophecy would come true.

Those who have listened to television programs know that the signals become audible in the form of a shrill whistle in the loudspeaker. This whistle carries the picture elements in the form of modulated sound.

If we pass this sound through suitable apparatus it becomes capable of reproducing a picture. It is obvious, then, that we could record this sound on a phonograph record and “can” a picture just as we now “can” sound in the form of music.

The sound, in the form of electric current, is taken from the phonograph record by means of a specially designed electrical pick-up. From this point it is carried to an amplifier and thence to a television crater tube. At this point the image is thrown on the screen.

While much remains to be done to develop this apparatus, we may look forward to the day when our moving pictures will come in this new and convenient form."
Fonte: modernmechanix

Só para ter comparação do avançado da idéia: em 1928 foi instalada a primeira estação de TV nos EUA

Fonte: tvhistory

Mauricio Domene

Música pirata em 1897 ?!?

2009-04-28T20:56:00.005-03:00

É só trocar os números e ao invés de partitura substituir por CD e download que o texto parece que foi escrito hoje.

Fonte: NY Times

Tico Tico no Fubá em versões

2009-04-27T11:24:00.006-03:00

Versões do Tico Tico no Fubá.

Composta por Zequinha de Abreu (1880-1935), compositor paulistano, em 1917, logo se tornou sucesso.

Tornou-se uma das músicas mais conhecidas e gravadas, no Brasil e no exterior, com versões por Carmen Miranda

Ray Conniff e outros.

Em 1945 a música fez parte da trilha sonora de nada menos que 5 filmes americanos, entre eles "Saludos Amigos", da Disney, onde pela primeira vez apareceu o personagem Zé Carioca.

Em 1952 a Cia. Cinematográfica Vera Cruz produziu sob direção de Fernando de Barros e Adolfo Celi o filme "Tico-tico no fubá" baseado na vida de Zequinha de Abreu, estrelado por Anselmo Duarte e Tônia Carrero, com trilha sonora de Radamés Gnatalli.

Ah, certo... você achou Ray Conniff meio brega.
Mas é porque você não viu isso:

Liberace

Claro, toda música muito executada, é passível de sofrer esses desatinos.

Mas também tem muita coisa boa:

Hermeto Pascoal e Sivuca

Paco de Lucia

Quer mais?

Um site com 61 versões do Tico Tico no Fubá.

http://blog.wfmu.org/freeform/2005/11/61_versions_of_.html

Mauricio Domene

The Art and Business of Song

2009-04-15T12:24:00.003-03:00

Infelizmente, sem legenda. Mas para quem entende inglês, e principalmente para quem se interessa pelo assunto, vale a pena ver. Um pouco longo (1h28m), mas valioso.

Wendy & Lisa são mais conhecidas por terem participado de uma fase muito importante da banda do Prince (anos 80). Atualmente estão envolvidas com projetos de trilha sonora (Heroes) e acabaram de lançar um belíssimo disco de canções (pode ser ouvido aqui).

Ann Powers in Conversation with Wendy & Lisa. Join Popular Music Project 2008-09 Artist in Residence and LA Times pop music critic Ann Powers as she talks about the business of making music, past and present, with Wendy and Lisa. Wendy Melvoin and Lisa Coleman are best known for their collaborations with Prince in the early-mid 1980s. They began their career as a duo in 1986 and currently score the music for the NBC series Heroes as well as the upcoming Fox series Virtuality, and Showtimes Nurse Jackie.

Download de música... em 1983??

2009-04-13T11:53:00.003-03:00

Sim, em 1983, muito antes da Internet comercial, antes do sucesso do CD, muito antes do que qualquer um de nós pudesse imaginar tudo que está acontecendo com a música na Internet.

Quem foi o gênio que pensou nisso?

Frank Zappa (1940 – 1993)

O mesmo gênio que pensou a música num formato totalmente diferente, que deu o primeiro emprego ao Steve Vai, que lutou contra censura nos EUA veementemente, e com discursos recheados de tiradas sarcásticas e geniais, que brigou com a sua gravadora (Warner) em 1977 por incentivar os fãs a gravarem as músicas do seu disco das rádios (disco esse que havia sido recusado pela Warner), etc.

Tem muito material sobre Zappa na net, como esse no Wikipedia, esse no AllMusic, fora o site oficial dele.

Abaixo, em trecho da proposta dele para um sistema de venda de músicas para substituir o sistema de venda de discos.

A PROPOSAL FOR A SYSTEM TO REPLACE ORDINARY RECORD MERCHANDISING

- copyright 1983 by Frank Zappa -

Ordinary phonograph record merchandising as it exists today is a stupid process which concerns itself essentially with pieces of plastic, wrapped in pieces of cardboard.

These objects, in quantity, are heavy and expensive to ship. The manufacturing process is complicated and crude. Quality control for the stamping of the discs is an exercise in futility. The system is subject to pilferage (as, in some instances, pressing 'over-runs' have been initiated, with the quantity pressed above the amount of the legitimate order removed from the premises and sold on the black market).
...
Every major record company has vaults full of (and perpetual rights to) great recording by major artists in many categories which might still provide enjoyment to music consumers if they were made available in the right way. MUSIC CONSUMERS LIKE TO CONSUME MUSIC . . . NOT PIECES OF VINYL WRAPPED IN PIECES OF CARDBOARD.

Aqui você pode ler a proposta completa escrita por Frank Zappa em 1983.

1º de abril musical

2009-04-02T23:19:00.005-03:00

A melhor pegadinha de 1º abril que já vi.

A Apple colocou na loja do iTunes uma promoção especial no dia 1º de abril.
Download de graça da música 4'33" do John Cage.

De graça!! E a pegadinha não era isso. Realmente era de graça.

A pegadinha era que muita gente desconhece a música 4'33".

Definitivamente foi a melhor pegadinha de 1º de abril que eu não ouvi.

Mauricio Domene

As opções profissionais para os músicos - Revista Música e Imagem

2009-03-30T12:52:00.005-03:00

Acabou de chegar aqui no estúdio a nova edição da revista "Música e Imagem", editado pela Roland (fabricante de instrumentos musicais e equipamentos de áudio).

Nilton Corazza, editor da revista, havia me convidado para escrever uma coluna, e lá está a matéria na pagina 25.

Já havia colaborado com o Nilton na revista Studio, quando escrevi uma coluna sobre trilha sonora por um ano. Essa experiência de escrever sobre a profissão é muito interessante. Obriga a pensar e teorizar o que fazemos muitas vezes por instinto ou porque aprendemos na prática. Diria que aprende-se muito mais do que se ensina.

Mauricio Domene

Novo game da Garoto, com trilha do Estúdio Next

2009-03-24T10:29:00.004-03:00

Está online o novo game da Garoto, para uma promoção de Páscoa, com trilha do Estúdio Next.

www.garoto.com.br

Diferente da maioria das trilhas sonoras de games desse porte, não segui a lógica de musiquinha eletrônica e infantil. Optei por utilizar instrumentos de verdade (baixo e guitarras) para dar mais vida, para criar um som mais orgânico em contraponto ao universo eletrônico da maioria dos games.

Também escolhi um ritmo mais atual, levando em conta o que a garotada anda ouvindo. O fato de ter filhos ajuda a não entrar no preconceito de “fazer musiquinha pra criança”, um erro que muita gente acaba cometendo por não vivenciar o universo infantil. Acaba só repetindo o que já ouviu por aí de música infantil sem se perguntar se ainda é uma referência válida.

Um diferencial na criação de uma trilha para game é que a duração dela não está previamente determinada. A gente nunca sabe quanto tempo ela vai ficar tocando, pois isso depende do andamento do jogo, da habilidade do jogador. Por isso o processo exige uma técnica diferente de criação. A música precisa ter o formato de loop, ou seja, uma música sem fim, onde o final e começo se encaixam perfeitamente. Um jeito diferente de pensar música.

O engraçado é que criar os efeitos sonoros deu muito mais trabalho do que criar a música. A gente acha que é simples,mas quando vê, já gastou mais tempo nos “efeitinhos” do que na trilha mesmo. Por isso é bom cuidar na hora de orçar esse tipo de trabalho, pois é fácil de se enganar na estimativa de tempo gasto.

Toda programação visual do game foi criada pela Mono 3D, uma turma muito talentosa e criativa. Vale a pena conferir o trabalho deles.

Mauricio Domene

Remix em vídeo

2009-03-13T14:57:00.003-03:00

Usar loops (trechos gravados por outras pessoas) numa colagem musical não é nada novo.
Mas fazer isso a partir de vídeo garimpados no youtube, e mais, usar somente material extraido desses vídeos, isso é coisa de genio.

Agora, já seria genial somente conseguir fazer isso. Mas conseguir fazer isso com a qualidade musical como o Kutiman fez... ai não tem mais o que escrever.
Veja:

A música faz parte do projeto Thru-you, e lá dá pra ouvir outras criações dele.

Só pra ter uma dimensão melhor da complexidade do que o Kutiman fez, veja alguns vídeos de onde o material musical foi retirado:

Bateria:
TheHitman1990 (Bernard "Pretty" Purdie clip),

Guitarra:
Free Funk Guitar Lesson Inspired By James Brown

Voz e harmonica
Blues Harp & Vocals from Brian Fox of Brian Fox Reloaded

Arte a serviço do business

2009-03-12T11:55:00.002-03:00

No período em que trabalhei em agência de publicidade (6 anos, como redator) sempre ouvia acalorados debates sobre campanhas artísticas x campanhas que vendem. Precisamos pensar nos números, diziam os clientes. Hardsell, call to action e outros termos do marketês sempre estavam em pauta na hora de criar um anúncio.

Fazer algo bonito, inteligente, artístico e que sirva para a necessidade principal do seu cliente - vender - é algo muito díficil. Por isso, quando alguém acerta a mão, é preciso aplaudir.

Dizer que a PES é uma produtora de vídeos é simplificar muito. PES é um animador/diretor que desenvolveu uma linguagem própria. Daquelas que você vê um trecho é já sabe de quem é. Usando basicamente a técnica de stop-motion, ele criou uma série de curtas que ficaram famosos na internet. Você já deve ter visto aquele em que dois sofás fazem sexo no telhado de um prédio.

Mas a PES não ficou só no campo da arte, e começou a usar o seu talento para a publicidade. Abaixo dois filmes, um curta e um comercial.

Acesse o site e conheça mais.

Finalmente meu novo portfólio

2009-03-06T13:53:00.002-03:00

Depois de muita briga, finalmente consegui terminar a edição do meu novo portfólio de trilhas sonoras.

Agora só falta colocar o novo site no ar :-)

Mauricio Domene

Conectar-se com Fãs + Motivo para Compra = Novo Modelo de Negócio

2009-03-02T20:46:00.002-03:00

Ou em inglês:
Connect With Fans (CwF) + Reason To Buy (RtB) = The Business Model ($$$$)

Uma curta palestra com Michael Masnick (da Techdirt Blog/Floor64) falando sobre como Trent Reznor (do Nine Inch Nails)

Trent brigou com sua gravadora quando ao tentar inovar, deixando pen drives espalhados (escondidos) nos banheiros dos shows com músicas inéditas para que os fãs encontrassem e, obviamente, compartilhassem com outros, foi censurado por sua atitude. Gravadora e outros urubus acharam um absurdo ele fazer isso.

Isso foi em 2007

Em 2008, já fora de uma gravadora, inovou de vez, dando de graça a música que os fãs queriam, mas de forma tão engenhosa que conseguiu lucrar com isso, criando valor para o que tinha para vender. Não só isso, mas o fez de tal modo que seu disco (com as músicas que tinha dado de graça) foi o album que mais vendeu downloads na Amazon durante o ano passado.

Quer entender como é essa loucura?

Veja o vídeo:

Teaser do novo album da banda 311

2009-02-26T07:00:00.000-03:00

Vídeo com o mega produtor Bob Rock (Metallica, Aerosmith e outros) dando uma dura nos integrantes da banda 311.

Bem divertido...

Músicos americanos querem receber por música tocada nas rádios

2009-02-25T18:31:00.002-03:00

Musicians want radio stations to pay them fees

"Sheryl Crow, will.i.am, Herbie Hancock and other entertainers are asking Congress to force radio stations to pay them when their music is broadcast.

The musicians appeared Tuesday on Capitol Hill on behalf of the musicFirst Coalition to push legislation that would require radio stations to pay them royalties for when their songs are played.

Satellite radio, Internet radio and cable TV music channels already pay fees to performers and musicians, along with songwriter royalties. But commercial AM and FM radio stations do not.

The National Association of Broadcasters opposes the fee for performers. It says it puts thousands of radio jobs at risk. The association also says radio stations drive listeners to buy music."

O Brasil é um dos poucos países que pagam aos músicos direitos sobre as músicas que tocam nas rádios e tvs. Não somente os compositores das músicas, que é o direito autoral, mas aos músicos que gravara. São os chamados Direitos Conexos.

Está certo que existe uma regra perversa na distribuição desse dinheiro. O ECAD computa somente as 600 músicas mais tocadas no país num mês, e faz a distribuição do dinheiro arrecadado das rádios com base nesse ranking. Isso significa que se você gravou uma música que toca todo dia numa rádio especializada em punk-rock-gótico no interior do Mato Grosso, apesar da rádio pagar ao Ecad, sua música nunca vai entrar nesse ranking das 600 mais tocadas. Ou seja, a sua parte da receita vai parar no bolso de um Roberto Carlos da vida.

Achou muita sacanagem? Eu também. Mas não pense que nos EUA é muito diferente. Basta frequentar por pouco tempo algum forum americano onde se discute música, composição, music business, e vai ver que a coisa é complicada por lá também.

Quer ver onde mais há diferença? Um compositor de trilha sonora para cinema aqui é remunerado conforme o público que paga para assistir. Ou seja, um filme de sucesso traz uma renda extra para o compositor, além do creative fee que recebeu durante a produção da trilha.

Nos EUA isso não acontece, e em muitas ocasiões, em razão de contratos sacanas, eles não recebem nada adicional pela vendagem em DVD.

Ou seja, não estamos sozinhos nessa luta pelos direitos de autor e de executante (direitos conexos).

A different way to think about creative genius

2009-02-17T12:22:00.004-03:00

Elizabeth Gilbert, autora do best seller "Comer, Rezar, Amar", fala nesse emocionante relato sobre criatividade e medo do fracasso.

Como podemos lidar com o receio de não conseguirmos mais atingir um momento genial novamente. Como tratar com o conceito de genialidade, inspiração e sucesso.

Domene internacional - shameless selfpromotion :-)

2009-02-12T23:56:00.003-02:00

Acabei de tomar um susto ao abrir a Newsletter eMusician e me ver lá :-)

Aqui o link pra verem a newsletter completa:

eMusician

Ou um print que guardei pra posteridade:

Na newsletter tem o link para a pagina do MySpace:
http://www.myspace.com/domene

Bela massagem no ego ser comparado a Gustavo Santaolalla, ganhador do Oscar com Babel e Brokeback Mountain. Agora só falta a Academia me descobrir :-)

Mauricio Domene

Bairro da Pompéia - São Paulo - O Bairro do Rock

2009-02-12T17:48:00.003-02:00

Essa semana e começo da próxima estou com pouquíssimo tempo pra postar por conta de um trabalho bacana que estou participando. Um documentário sobre o bairro da Pompéia (em São Paulo) realizado pela produtora GW.

O interessante desse assunto é que a Pompéia foi o berço do rock nacional. Se não foi O berço, com certeza foi o mais importante.

Lá nasceram as bandas Os Mutantes, Tutti Frutti e Made in Brazil, praticamente funcionando ao mesmo tempo num espaço de 2 quadras. Os irmãos Sergio Dias e Arnaldo Dias (dos Mutantes), Luis Carlini (Tuti Fruti) e os irmãos Osvaldo e Celso Vecchione (Made in Brazil) eram vizinhos.

Imagino o que o restante da vizinhança teve que aguentar de ensaio em garagens. Fora o "barulho" típico de uma banda de rock, é bem provável que com 3 bandas atuantes na mesma rua, a coincidência de ensaios em determinados horários era inevitável.

Aliás, não tinha muita escapatória: ou o cara sofria ouvindo 2 ensaios simultâneos (o que só amantes de Música Concreta conseguem suportar) ou teria que encarar ensaios sequenciais, o que aumentava o tempo que a senhora do sobrado ao lado não podia ouvir a novela na tv.

História riquíssima de detalhes divertidos.

Quando tiver algum material pronto de trilha sonora do documentário eu posto aqui.

Mauricio Domene

Mais sobre música e ruído

2009-02-10T20:13:00.003-02:00

Refletindo mais sobre a diferença, ou melhor, a divisa entre música e ruído, lembrei-me da Música Concreta, que lá no final da década de 1940 e começo de 1950 alterou para sempre os caminhos sonoros. Ainda hoje vivemos ecos do estrago que ela fez, com sua proposta muito inovadora e quebrando paradigmas há muito tempo consolidados.

O camarada responsável pelo começo da brincadeira foi o francês Pierre Schaeffer, logo seguido pelo Grupo de Pesquisa de Música Concreta (Groupe de Recherche de Musique Concrète – GRMC). Naquela época a manipulação dos ruídos e sons para criar música era feita através de gravadores de fita, invertendo-se a direção que tocavam, editando (cortando e colando, literalmente, as fitas) e outros processos que hoje soam como maluquice.

Com a popularização dos samplers e meios de edição e manipulação digital de som, o acesso a esse tipo de criação musical ficou expandida e surgiram vários artistas que empurraram o limite do ruído pra dentro da música popular, e chegando até hoje nas músicas eletrônicas.

Um desses grupos foi o alemão Kraftwerk. Nesse vídeo podemos entender um pouco do processo de criação deles e do esforço em produzir algo diferente e inovador, sempre na vanguarda.

Aqui o trailer do documentário "Kraftwerk And The Electronic Revolution"

Outro grupo que empurrou o limite além, fazendo uso de ruídos cotidianos manipulados no sampler para produzir melodias é o Art of Noise.

Aqui no Brasil temos o querido Hermeto Pascoal que nos presenteia com solos de porco, panelas e o que mais ele conseguir colocar as mãos. No disco “A música Livre de Hermeto Paschoal” (1973) ele abusou desse recurso tocando, entre outros instrumentos, porcos, gansos, perus, galinhas, patos e coelhos. Mas ele sempre abusa e fica bom. Ele pode... :-)

Aqui ele tocando Barba, Chaleira e outros "instrumentos"

E aqui playing (só em ingles mesmo pra fazer o total sentido do que ele faz) com instrumentos de dentista:

O ruído já havia tentado se infiltrar nas orquestras nos séculos passados. Tchaikovsky fez uso de canhões da obra 1812 Overture e Wagner usou um coro de bigornas na ópera "O Anel do Nibelungo"

Obvio que isso tudo iria influenciar e encontrar largo caminho na música para cinema. Só que o nome que damos a isso é o dialogo/contraponto entre trilha sonora e sound design.

Carmen Miranda - 100 anos

2009-02-09T09:16:00.003-02:00

Hoje faz 100 anos do nascimento de Carmen Miranda.

O que dizer dela sem ser repetitivo? No máximo reafirmar que sem ela a música brasileira não teria a visibilidade que tem no exterior.

Arriscaria a dizer que sem ela a bossa nova não teria tido o sucesso fora do Brasil como teve. Foi ela quem abriu a passagem para que a nossa música fosse considerada e respeitada. Apesar das bananas na cabeça :-)

Carmen Miranda - South American Way

Entre a música e o ruído

2009-02-06T19:34:00.004-02:00

Existe trilha sonora (música)

E existe efeitos sonoros (ruídos, barulhos)

Mas as vezes essa definição fica confusa e tudo se mistura. É o caso desse vídeo que faz parte da exposição "Memorial da Resistência", que fica na Estação Pinacoteca, em São Paulo (já comentei sobre outro trabalho que fiz para a mesma exposição aqui nesse post).

Para criar o impacto necessário fiz uso de samples de um piano preparado, como John Cage tornou famoso (o mesmo John Cage da peça 4'33" sobre a qual escrevi aqui). E o resultado foi essa mistura que embora pareça muito com efeitos sonoros, também tem muito de música contemporânea.

Foi um trabalho delicado porque estive o tempo todo trabalhando nesse fio de navalha que separa a música do ruído, a trilha sonora do efeito sonoro. Mas o resultado compensou.

Memorial da Resistência from Mauricio Domene on Vimeo.

Artists who don't censor their own work

2009-02-05T12:07:00.003-02:00

"Artists who don't censor their own work: Picasso, Miles Davis, Prince. They're all people who just put it out, and have almost no critical self-censorship. They say, "Let the market decide; let the world decide." You might not be the best person to judge it. "That's a kind of humility, actually: it's a mixture of arrogance, which says, "I know I'm fucking good." But a humility, which says, "I'm not the person to decide."

tradução meia boca:
"Artistas que não censuram seu próprio trabalho: Picasso, Miles Davis, Prince. Eles são pessoas que colocam pra fora e não tem praticamente auto-censura. Eles dizem: "Deixe que o mercado decida; deixe que o mundo decida." Você pode não ser a melhor pessoa para julgar. É um tipo de humildade, na verdade: é uma mistura de arrogancia que diz: "Eu sei que sou bom pra cacete." e a humildade que diz " Não sou eu quem vai decidir"

Brian Eno

Before the Music Dies

2009-02-04T07:00:00.000-02:00

"Before the Music Dies" é um documentário que coloca um spot de luz na indústria da música atual de forma reveladora, sem deixar de ser inspiradora e esperançosa.

Analisando as causas da decadencia das grandes gravadoras, traz uma visão "pé-no-chão" sobre o futuro da música e possíveis caminhos para que ela sobreviva no mercado atual.

Com depoimentos de Erci Clapton, Dave Matthews, Brandford Marsalis, Elvis Costelo, Les Paul, Erykah Badu entre outros.

Reserve um tempo para assistir. Se você tem algum interesse no assunto, vale a pena!

"Before the Music Dies" - 1h17

"Faz com a boca mesmo!"

2009-02-03T10:45:00.003-02:00

Nosso cérebro funciona por associação. Bom, pelo menos o meu. Depois de ler o post do Maurício, lembrei que um amigo tinha me emprestado um disco com versões de músicas dos Beatles.

Sim, eu sei, existem milhões deles. Até os Bee Gees já regravaram o Sgt Peppers. Mas esse disco é compilado com artistas da Blue Note, a lendária gravadora de jazz. Valia o crédito de conhecer.

Ouvi o disco e não achei nada demais. Tenho a sensação de que já ouvi todas as versões possíveis e imagináveis para as músicas do quarteto de Liverpool. Mas, no finzinho, uma grata surpresa: Bobby McFerrin (sim, aquele mesmo da Don't Worry, Be Happy) cantando 'Drive My Car'.

Procurei o vídeo algum vídeo no YouTube com essa versão mas não achei. Resolvi colocar lá eu mesmo, pra poder compartilhar aqui.

Tudo o que se ouve na faixa vem do Bobby McFerrin fazendo sons com a boca e com o corpo. É muito impressionante. O que poderia facilmente esbarrar no território do mal gosto e ficar marcado apenas por malabarismos, acaba se tornando um arranjo original e extremamente criativo.

Para entender melhor como ele faz tudo isso, vale a pena conferir esse vídeo, com uma outra canção sendo executada ao vivo.

Contei essa história toda e não expliquei o título. Nós, que trabalhamos com trilhas, por diversas vezes nos vemos em situação em que temos que 'cantar' alguma idéia. Explico. Você está em uma reunião discutindo a produção de uma trilha sonora para um filme, por exemplo. Lendo o roteiro, discutindo com o diretor, você acredita que um tango com uma batida eletrônica cai muito bem para aquela cena. Mas, o diretor não consegue imaginar como ficaria tal resultado. Eis que alguém sugere: "faz aí, com a boca mesmo."

É nessas horas em que eu penso em convidar o Bobby para ser meu sócio.

Mais música no telhado

2009-02-03T07:00:00.001-02:00

Parece que telhados exercem uma certa atração em músicos :-)

Aqui Jacob Moon toca "Subdivision" do Rush, em cima do telhado (dica do Beto Rich). Bela locação escolhida, ainda mais com o pôr do sol.

O detalhe é que ele toca essa versão sozinho, mas com um bocadinho de apetrechos tecnológicos que fazem com que o violão sirva de acompanhamento para o solo de guitarra.

Ele usa um Lexicon JamMan looper, que funciona como um gravador mas que tem a capacidade de criar um loop, transformar uma frase ou um trecho da música que você toca (e grava) nele em algo circular, que emenda o final da gravação com o seu início, fazendo uma cama musical sem fim.

Veja que é mais simples de entender do que eu ficar descrevendo:

Agora, já descendo do telhado mas continuando no assunto Loopers, ou artistas que fazem uso excelente desse tipo de tecnologia, quero apresentar-lhes Imogen Heap, com a deliciosa e delicada "Just for Now":

Os Beatles subiram no telhado

2009-01-30T15:34:00.006-02:00

30 de janeiro de 1969 (40 anos atrás) foi o dia da última apresentação ao vivo dos Beatles.

Embora não tenha sido concebido para ser um concerto público, o "Rooftop Concert", como ficou conhecido, acabou sendo uma das mais famosas apresentações dos Beatles, se não pelo inusitado do lugar, com certeza por fazer parte do filme e do último álbum lançado da banda: "Let it Be".

Os Beatles iriam fazer um documentário com eles produzindo um programa de TV e compondo algumas canções do seu novo álbum, que marcaria um retorno aos dias de rock da banda.

O projeto começou no estúdio Twickenham no dia 2 de janeiro de 1969, mas os problemas de relacionamento que havia dentro da banda logo mostraram a cara: George Harrison saiu depois de 8 dias reclamando das constantes criticas de Paul McCartney. Mas retornou na semana seguinte.

A ideia do programa de tv foi abandonada, pois eles não conseguiam concordar aobre o local de filmagem. Chegaram a pensar em gravar em outro continente (África), em clubes pequenos, num asilo...

No fim concordaram em realizar um concerto surpresa no teto da Apple (a gravadora dos Beatles, não a fabricante de computadores).

A apresentação (e o filme) encerram com a chegada da policia que pôs fim a farra. O set list desse dia foi: Get Back, Dont´t Let me Down, I´ve Got a Feeling, One After 909 e Dig a Pony. Também tocaram um pequeno ensaio de I Want You (She´s So Heavy), que ficou de fora do filme e do album porque o engenheiro de gravação (que era ninguém menos que Alan Parson, o mesmo do Alan Parsons Project) estava trocando a fita.

O Filme ganhou o Oscar de melhor trilha em 13 de maio de 1970, mas àquela altura o sonho havia acabado: os Beatles tinham se separado.

Parte1

Parte 2

Parte3

A formação da banda nesse dia foi um pouco diferente. Incluiu Billy Preston nos teclados. Ele já havia participado em outros albuns dos Beatles, mas foi o primeiro "show" deles juntos. A importancia de Billy Preston é medida pelo crédito da música "Get Back" que aparece como "the Beatles with Billy Preston". Única vez na discografia dos Beatles que isso acontece.

Aqui Billy Preston presta homenagem ao seu amigo George Harrison (junto com Eric Clapton e outros caras fraquinhos):

Concerto de trator - nova ortografia?

2009-01-30T07:00:00.000-02:00

Não, não... nesse caso é concerto mesmo, com C.
Concerto para trator, 2 guitarras e contrabaixo.

Música em diversos formatos

2009-01-28T07:00:00.001-02:00

Quando comecei na carreira de músico, o unico caminho que eu enxergava era a indústria de discos. Produzi, escrevi arranjos e gravei muitos discos (quando ainda eram pretos, grandes e de plástico).

Depois a vida me apresentou o universo dos jingles e das trilhas de publicidade. E fiz muito isso também (quando os jingles existiam em fitas k7 e as trilhas viajavam em DATs ou fitas de rolo).

Mas como esse post está começando a ficar com cheiro de poeira e eu tenho rinite alérgica, vamos para o tempo que a gente conhece os artistas interessantes pelo Youtube e MySpace e não mais pelas rádios e tvs.

Por essas coisas da vida que a gente não consegue explicar, mas simplesmente vai acompanhando a correnteza, meu universo de trabalho tem estado cada vez mais ligado a formatos diferentes de música, suportes curiosos para áudio, lugares inesperados para se ouvir sons.

Acabei de receber o convite para participar de um trabalho de audiovisual com interatividade que será mostrado numa carreta de caminhão (de 3m x 14m) itinerante, que percorrerá várias cidades com a mostra.

Semana passada foi inaugurado o espaço "Memorial da Resistencia", com várias salas com música e sonoplastia minha. Uma exposição fixa ou um tipo de museu.

Já sonorizei brinquedo (um robô que fala e conversa com a criança).
Sonoplastia para site.
Exposição de arte na Bienal de São Paulo.

Engraçado que é o tipo de carreira que não dá pra ser planejada. Quando o telefone toca eu nunca sei que tipo de trabalho alguém vai pedir, muito menos onde ele será usado.

E isso gera uma gama de desafios permanentes (e mutantes).

Som surround dentro de um container? Sem problema. Um corredor de telas com mais de 15m de comprimento, com 6 canais de audio em cada lado, com som sincronizado com a imagem que atravessa as telas? Ok, é possível fazer. Um falante pendurado no teto em cima da tela circular que fica no chão? Ok, só preciso fazer algumas modificações na mixagem. Uma sala com tela nas 4 paredes, e uma caixa atrás de cada tela? E vamos ressuscitar o som quadrifônico que havia morrido na decada de 70.

Se antes eu perguntava "onde vai passar isso" e a resposta era sempre: "rádio" ou "tv"; agora eu tenho que perguntar: como é o lugar onde isso vai ser ouvido, se é que é um lugar definido; ou como é o equipamento que vai reproduzir esse audio.

Citei acima que hoje é o tempo que a gente não descobre mais artistas novos e legais na rádio ou tv. Pois acabei de conhecer pelo Youtube um cara muito bom, que me foi recomendado pelo @comunicadores no Twitter. Compartilho através do blog com vocês:

Her Morning Elegance / Oren Lavie

Uma boa desculpa para comprar um iPhone

2009-01-27T10:55:00.004-02:00

O pessoal que é da velha guarda às vezes sente falta de, na hora da mixagem, mexer de verdade com os botões. Aumentar e abaixar o volume no dedo, não no mouse. Dizem que, com a digitalização do áudio, a mixagem perdeu muito o charme na hora de ser feita.

Pensando nisso, a empresa norte-americana Far Out Labs lançou um aplicativo para iPhone, focado nos usuários de Pro Tools.

Com ele, você controla toda a mixagem em que está trabalhando através do iPhone.

Esqueça o mouse, agora você pode controlar toda sua sessão através do iPhone. Boa desculpa para comprá-lo, não?

Microsoft Songsmith: um karaokê ao contrário.

2009-01-26T17:37:00.003-02:00

Primeiro você visitava um bar, tomava uns drinks e alguma coragem, e depois, aventurava-se no sonho de ser um cantor. Não importa qual o estilo: música italiana, japonesa, rock, pop, sertanejo. A lista é infinta.

Agora, a Microsoft subverteu a ordem do karaokê, lançando um programa chamado Songsmith. A idéia é bem legal: você canta e grava, atraves de um microfone o que quiser. Depois, o programa cria um acompanhamento.

Simples e indolor.

Já o resultado, bem, esse nem sempre é interessante. Algumas pessoas começaram a lançar na internet músicas famosas em releituras feitas no Songsmith. Veja como ficou Roxxane, o clássico do Police:

Se você quiser baixar o programa e fazer um teste gratuito, é só ir para a página http://research.microsoft.com/songsmith

Libere o cantor que há em você.

Dops reabre hoje como Memorial da Resistência

2009-01-24T15:13:00.003-02:00

Símbolo da tortura vira museu que resgata história dos presos políticos

"Um símbolo da tortura no País foi reformado e reabre hoje como museu para homenagear a resistência dos presos à ditadura. O antigo prédio de tijolos vermelhos do Departamento de Ordem Política e Social (Dops), no Largo General Osório, centro de São Paulo, teve quatro celas reformadas para abrigar o Memorial da Resistência, que homenageia as vítimas e resgata o período em que lá funcionou, de 1935 a 1984, a polícia política das ditaduras getulista e militar.

De acordo com o diretor da Pinacoteca, Marcelo Araújo, a quem está subordinado o projeto, as celas lembram a trajetória do Dops, fundado em 1924 para combater os movimentos sociais considerados perigosos à ordem nacional, como o anarquismo e o sindicalismo. Uma das celas foi reconstituída como nos tempos da repressão, enquanto nas outras há uma maquete, além de fotos e gravações de depoimentos."
fonte: Estadão

Final de 2008 e começo desse ano tive o privilégio de trabalhar nesse projeto do Memorial da Resistência. Compus trilha sonora e sonoplastia para 4 salas dessa exposição.

Exposições, museus e instalações são trabalhos muito diferentes e cheio de possibilidades. As pessoas são abertas a novidades e soluções criativas, até mesmo coisas mais estranhas que nunca seriam aprovadas fora do contexto de uma exposição onde o foco não é um produto comercial.

Desafiador e faz a gente pensar fora da caixinha de soluções já conhecidas.

Uma dessas salas do Memorial da Resistência traz depoimentos de pessoas que estiveram presas lá. Você entra numa das celas, luz baixa, e veste um fone de ouvido. Um áudio documentário. Nada de imagens, somente o som contando a história.

Aqui no Brasil os áudio documentários ainda são quase inexplorados, mas é um formato mais difundido na Europa.

Vista os fones, separe uns 15 minutos para mergulhar nesse universo e boa viagem:

Oscar nominees 2009

2009-01-22T13:28:00.002-02:00

Indicados para o Oscar de Melhor Trilha Sonora:

THE CURIOUS CASE OF BENJAMIN BUTTON
Alexandre Desplat

DEFIANCE
James Newton Howard

MILK
Danny Elfman

SLUMDOG MILLIONAIRE
A.R. Rahman

WALL-E
Thomas Newman

Indicados para o Oscar de Melhor Canção:

WALL-E
"Down to Earth"
Music by Peter Gabriel and Thomas Newman; Lyric by Peter Gabriel

SLUMDOG MILLIONAIRE
"Jai Ho"
Music by A.R. Rahman; Lyric by Gulzar

SLUMDOG MILLIONAIRE
"O Saya"
Music by A.R. Rahman; Lyric by A.R. Rahman and Maya Arulpragasam

Bach e o açougueiro

2009-01-21T22:27:00.000-02:00

"Bach era um modesto organista numa cidade do interior. nunca teve fama ou reconhecimento. Um dos seus patrões se refere a ele, numa carta, como "músico medíocre". Tinha por obrigação semanal compor peças sacras para a liturgia do culto luterano. Suas composições, uma vez executadas, eram esquecidas e guardadas em canastras e estantes em algum quarto da igreja. Surpreendido pela morte no meio da composição da "Arte da Fuga", ninguém ligou para o que deixara escrito. Seus manuscritos foram vendidos para um açougueiro que os usava para embrulhar carne. Mendelssohn, por acaso, foi comprar carne no tal açougueiro. Mas ele logo se desinteressou da carne, assombrado com o que via escrito no papel em que ela viria embrulhada. E foi assim que Bach foi descoberto no lugar mais deprimente do mundo, embrulhando carne num açougue. Graças a deus que Mendelssohn não era vegetariano!"

Extraido do livro "O amor que acende a lua" de Rubem Alves.

Morre o compositor Candeias no Rio

2009-01-20T18:44:00.002-02:00

"Ele foi autor de sucessos como ‘Sassaricando’ e ‘Lata D’água na Cabeça’.
Velório acontece no cemitério São João Batista e o corpo será cremado.

O compositor Joaquim Antônio Candeias Júnior, de 85 anos, morreu na noite desta segunda-feira (19), no Rio. Ele foi o autor de sucessos como ‘ Sassaricando’ e ‘Lata D’água na Cabeça’.

Segundo a família, Candeias passou mal enquanto dirigia. Ele foi levado para um hospital em Copacabana com edema pulmonar e não resistiu.

O velório é realizado no cemitério São João Batista. O corpo do compositor será cremado no cemitério do Caju. Candeias deixa a esposa, dois filhos e cinco netas."

fonte: G1

Sassaricando

Lata Dágua na Cabeça

Daquelas músicas que fazem tanto parte do nosso universo sonoro que a gente até esquece que alguém é o compositor.
Parecem que elas sempre existiram...
Um gênio!

Samples e Mashups

2009-01-19T11:32:00.004-02:00

Sample vem do inglês: amostra

Em música significa gravar uma pequena amostra (pode ser de um único instrumento ou de uma música completa) e usar em outro contexto.

Fazemos isso diariamente na criação de trilhas sonoras quando usamos sons de instrumentos que não temos disponível no estúdio, seja por razões de limitação de verba, como o uso de uma grande orquestra, seja por não ter tempo ou o instrumento disponível, como uma harpa, um baixo elétrico, etc.

Os DJs usam muito os samples de músicas completas, quando fazem uma gravação em cima de uma batida que foi gravada em outro disco ou uma frase de metais de outro artista, etc.

Mashup, do inglês: não temos tradução para isso :-)
Eu diria que a melhor tradução é "uma mistureba".

Mashup musical é a técnica que pode ser entendida como pegar uma música e misturá-la com outra, formando assim uma terceira como produto final. Como complicação, as 2 músicas tem que ter o mesmo bpm (andamento) e a mesma tonalidade. Fora as complicações de fazer as harmonias se tornarem compatíveis.

Mashup no wikipedia

O termo pode ser aplicado às artes visuais, programação, etc.

Aqui um exemplo bacana onde o Mashup acontece na música e no vídeo.

Beyouncé x Andy Griffith Show

Primeiro a Beyouncé solo:

Agora a abertura do Andy Griffith Show

E como ficou o Mashup Beyouncé x Andy Griffith Show

Música Improvável

2009-01-17T17:35:00.002-02:00

Beck tocando "Clap Hands" ao vivo no programa SNL.
Um violão muito safado e uns caras batendo talheres na mesa. Simplista demais minha explicação, mas é ai que está a graça (demora para carregar por causa da qualidade alta do vídeo - aguarde que vale a pena).

Claro que isso me lembrou Dona Edith do Prato

Surpresa triste. Fui buscar mais informação sobre D. Edith do Prato para colocar aqui, e acabei descobrindo que ela faleceu dia 09 de janeiro aos 92 anos.

"Edith Oliveira Nogueira, mais conhecida por Edith do Prato, nasceu em Santo Amaro da Purificação, BA em 1916.
Cantora, percussionista e festeira inveterada, Edith é hoje reverenciada como uma das riquezas da cultura baiana e grande dama do samba de roda do recôncavo. Começou sua trajetória artística como cantora amadora em sua terra natal. Era sempre convidada a tocar em aniversários e carurus. O pai ao perceber a alegria e satisfação da então menina permitia. Foram nas festas que conheceu tanto o primeiro quanto o segundo marido (ambos já mortos).
Com timbre peculiar, entoa samba-de-roda como ninguém, raspa a faca no prato com maestria, numa cadência tão peculiar que esta prática lhe valeu o nome artístico.
Sua estréia artística ocorreu no início dos anos de 1970 quando os cantores e compositores César e Roberto Mendes a levaram para participar com eles em um espetáculo em Feira de Santana (BA). A coroação do seu talento aconteceria anos depois quando no teatro Castro Alves, em Salvador, BA, dividiu o palco e os aplausos com Caetano Veloso (de quem foi ama de leite), Chico Buarque e MPB4.
Dona Edith do Prato, com sua alegria, paixão pelas festas e sambas-de-roda, é uma das artistas baianas que inscreveu a cidade de Santo Amaro no mapa cultural musical da Bahia."

fonte: site Mulher 500 anos atrás dos panos

Herbie Hancock e Corinne Bailey Rae - River

2009-01-03T16:03:00.003-02:00

Delicadeza.

Ver o Herbie Hancock tocando essa canção dá a nítida impressão que ele está mexendo num castelo de cartas de baralho. De tão delicado, se tocar no lugar errado ou de forma um pouco mais pesada, sem cuidado, tudo pode desmoronar.

Pudera: acompanhando a Corinne Bailey, só com delicadeza. O jeito dela cantar constrói o castelo de cartas. Ouça sem esbarrar em nada, por favor :-)

Ps: Aqui nesse link dá pra ouvir a versão em High Quality, som estéreo. Não consigo postar ele no blog nessa versão com audio melhor. Se estiver ouvindo num som bom ou em fones de ouvido, recomendo essa versão.

http://www.youtube.com/watch?v=TazdEF9vIAE&fmt=18

O Sound Designer de Wall-E (Ben Burtt) - Update

2009-01-02T07:00:00.000-02:00

Update do post sobre a animação Wall-E

O vídeo-documentário havia saido do ar e agora eu consegui encontra-lo em outro site.
Pra quem ainda não tinha visto, vale a pena:

O Sound Designer de Wall-E (Ben Burtt)

Da Capo

2008-12-31T15:08:00.003-02:00

Da Capo

"Da capo é um termo musical da língua italiana que significa do início, habitualmente abreviado: D.C.."

E lá vamos nós para o Da Capo do ano. Só que dessa vez, que todos toquemos com mais emoção, sentimento e amizade.

Saúde, paz e sucesso para todos em 2009!!

Ainda usando poucos recursos

2008-12-31T11:05:00.003-02:00

Impressionante estes dois caras que com poucos recursos fazem a maior festa:

Desejo a todos um Feliz e Próspero 2009,cheio de Saúde e muita Paz!!!!

Playing For Change: Peace Through Music

2008-12-29T16:51:00.003-02:00

Música extraída do documentário premiado "Playing For Change: Peace Through Music". Um cover do clássico "Stand By Me" de Ben E. King interpretado por músicos de toda parte do mundo, acrescentando suas partes cada qual no seu país, mais precisamente, nas ruas do seu país.

O documentário promove a Fundação "Playing for Change", que tem como propósito construir escolas de música e arte pelo mundo.
Do site da The Playing For Change Foundantion:
A The Playing For Change Foundantion (PFCF) é dedicada a conectar o mundo através da música proporcionando recursos (incluindo, mas não limitado, a instalações, materiais e programas educacionais) para músicos e suas comunidades ao redor do mundo. PFCF apóia projetos inspirados pela comunidade apresentados na série de documentários Playing For Changes.

Aqui uma entrevista com Mark Johnson, produtor do documentário, no canal PBS.

http://www.pbs.org

Jingle Bells diferente

2008-12-24T07:00:00.000-02:00

É sempre um desafio criar algo diferente envolvendo o famoso Jingle Bells. Parece que tudo já foi feito com essa música.

Aqui um filme/cartão de natal que a AKQA, agencia digital premiadíssima de São Franscisco, criou. Isso é o que podemos chamar de desconstrução de uma melodia. Genial!

O Sound Designer de Wall-E (Ben Burtt)

2008-12-16T07:00:00.004-02:00

Ben Burtt é o cara.
Ganhador do Oscar pelos primeiros filmes da série Star Wars. Considerado pai do moderno jeito de se fazer Sound Design.

Pra quem não é familiarizado com o termo, "sound design" consiste em criar todos os sons que não existem na de verdade. Os sons de naves espaciais, armas lasers, um piano caindo do 20º andar, um navio afundando.

Voltando ao Ben.. a filmografia dele é impressionante: todos os episódios da série Star Wars, Indiana Jones, E.T. (ganhou o Oscar com todos esses) entre outros. Além desses 4 Oscars, ainda foi indicado 5 vezes com outros filmes.

Trabalhou 28 anos na Lucasfilm como sound designer e em 2005 saiu de lá e foi trabalhar para a Pixar. O projeto: Wall-E.

Sound Design para um filme de ficção científica é uma trabalheira danada, pois a maioria dos sons que ouvimos tem que ser criado, já que as naves, equipamentos, portas, nada disso existe na vida real.

Sound Design para uma animação é uma trabalheira danada, já que todos os sons que ouvimos têm que ser criados. Nenhum som foi gravado durante a filmagem, já que não existe filmagem na animação.

Sound Design para um filme onde praticamente não existem diálogos... bom, vocês já entenderam onde quero chegar. Wall-E tem todos esses elementos para torná-lo um trabalho insano e que se tornou genial na mão de um mestre.

Na entrevista que Ben Burtt deu ao Spout ele diz: "Existem mais de 2600 sons criados para Wall-E, o que é muito para qualquer filme. Um filme de Star Wars, que é enorme, normalmente tem cerca de 1.000 novos sons. Um de Indiana Jones, talvez 700 ou 800. Então isso é gigantesco em parte porque precisava de muitos detalhes no som. Obviamente nada é gravado enquanto você está fazendo o filme. Tudo tem que ser adicionado depois."

No vídeo abaixo tem uma matéria muito bacana sobre como ele fez o sound design de Wall-E. Tem 20 minutos e a qualidade do som merece um fone de ouvido.

Update em 19/12
O vídeo que havia postado não está mais online. Tentei encontra-lo em outros luares e não encontrei.... mas encontrei esses abaixo. Não mais falando diretamente sobre a criação dos sons de Wall-E, mas uma palestra com Ben Burtt mostrando como foram feitos vários sons que todos nós já ouvimos nos filmes em que colaborou.

Update em 31/12
Encontrei novamente o vídeo :-)

Parte 1

Parte 2

Parte 3

Parte 4

Esses vídeos fazem parte originalmente desse artigo no Collider

Fool on the Hill - Chick Corea e Hiromi Uehara

2008-12-15T00:41:00.002-02:00

Sem palavras!!
É o tipo de coisa que quando vejo fico na dúvida se volto a estudar piano feito um maluco ou se é melhor cortas as mãos de uma vez :-)
Técnica estupenda junto com bom gosto extremo.
É, eu sabia que não adiantava tentar usar adjetivos. Só ouvindo mesmo. Tá além dos adjetivos.

Roqueiros protestam contra o uso de músicas para torturar prisioneiros

2008-12-13T14:36:00.003-02:00

Reproduzido do site G1

Saindo de uma caixa de som em sua minúscula cela no Iraque, o rock virulento do Nine Inch Nails atinge o prisioneiro Nº 200.343 como um cacetete sônico. “Tinto como o sangue em seus dentes”, rosna em alto volume o vocalista Trent Reznor. A tortura sonora chega a durar dias, semanas e até meses no centro de detenção militar no Iraque, com AC/DC, Queen, Pantera. Donald Vance, de Chicago, conta ter se tornado um suicida.

A tática ficou comum durante a guerra dos Estados Unidos no Iraque, Afeganistão e Guantánamo Bay. O general Ricardo Sanchez, comandante do exército no Iraque, autorizou a prática em 2003, como uma forma de “criar medo, desorientar e prolongar o choque.”

Agora, os detentos não são os únicos a reclamar – os músicos estão se unindo para pedir ao exército americano que pare de usar suas músicas como arma. Uma campanha lançada nesta semana inclui grupos como Massive Attack e roqueiros como Tom Morello, do Rage Against the Machine e Audioslave.

A ação consiste em promover minutos de silêncio durante shows e festivais, segundo explica a advogada Chloe Davies, que representa diversos detentos de Guantánamo Bay e é uma das organizadoras da iniciativa. “Sugiro que prendam George W. Bush numa cela e o torturem com Rage Against the Machine”, disse Morello em um de seus shows.

Vance, que foi preso por relatar a venda ilegal de armas, estava acostumado ao rock ‘n’ roll. Mas, para muitos detentos que cresceram no Afeganistão – onde a música é proibida pelos talibãs – os violentos interrogatórios do exército americano marcaram sua primeira experiência com o gênero. Muitos não resistiram. Binyam Mohammed, hoje prisioneiro em Guantánamo Bay, diz que alguns companheiros de cela acabavam gritando e batendo as cabeças contra as paredes.

“Tocaram música alta por 20 dias”, conta Vance, citando Eminem e Dr. Dre. “Também tive de ouvir hard rock sem parar. Muitos perderam a cabeça. Perdi as contas de quantas vezes ouvi ‘We will rock you’ do Queen. Você perde a capacidade de formular os próprios pensamentos num ambiente como esse.”

O porta-voz do centro de detenção de Guntánamo não forneceu detalhes de quando e como a música foi usada na prisão. Agentes do FBI que trabalham no local citaram diversos casos em que os detentos foram torturados com música, dizendo terem sido informados de que aquela era uma prática comum. Algumas sessões alternavam 16 horas de música e luzes com quatro horas de silêncio e escuridão.

Até canções para crianças já foram utilizadas nessas práticas. Christopher Cerf, compositor da trilha de “Vila Sésamo”, diz ter ficado horrorizado quando descobriu que as músicas do programa infantil foram usadas em interrogatórios. “Eu não ia querer que minha música fosse parte disso.”

Outros músicos, por sua vez, dizem ter ficado orgulhosos de terem suas canções usadas com esta finalidade. Stevie Benton, baixista do grupo Drowning Pool, se apresentou no Iraque e gravou uma das canções preferidas dos interrogatórios, intitulada “Bodies”.

“As pessoas presumem que deveriam se sentir ofendidas por alguém no exército achar a sua música perturbadora o suficiente para acabar com um sujeito psicologicamente”, disse ele à revista “Spin”. “Fico honrado em pensar que talvez uma canção minha possa suprimir ataques como o de 11 de setembro.”

Em entrevista por telefone à AP, Vance disse que a tortura pode transformar homens inocentes em loucos. “Eu não tinha lençol ou cobertor. Se tivesse, teria tentado suicídio.” Depois de 97 dias de tortura sonora, Vance foi libertado. “Hoje, mantenho minha casa em silêncio total”, diz.

Antes do Oscar, o Globo de Ouro

2008-12-13T07:00:00.000-02:00

Saiu a lista das indicações ao Globo de Ouro. A imprensa sempre fala que é uma prévia do Oscar. Uma forma de dar importancia menor ao prêmio? Sem dúvida.. mas de fato é um prêmio menor.

O Globo de Ouro é um prêmio instituido pela HFPA - Hallywood Foreign Press, ou seja, um prêmio da crítica. E o Oscar é um prêmio dado pelas pessoas que trabalham no ramo. Os indicados na categoria roteiro são julgados pelos seus pares. Os indicados como melhor ator são julgados pelos atores, os compositores julgam quem deve levar o prêmio pela melhor trilha.

Então o peso do Oscar é realmente enorme. Mostra quem a categoria aclama pelo seu trabalho.

Mas o assunto aqui era a indicação ao Globo de Ouro. Na categoria Melhor Trilha Sonora e Melhor Canção.

Best Original Score - Motion Picture

The Curious Case Of Benjamin Button
Composed by Alexandre Desplat

Changeling
Composed by Clint Eastwood

Defiance
Composed by James Newton Howard

Slumdog Millionaire
Composed by A. R. Rahman

Frost/Nixon
Composed by Hans Zimmer

Best Original Song - Motion Picture

"Down To Earth" – Wall-E
Music By: Peter Gabriel and Thomas Newman
Lyrics By: Peter Gabriel

"Gran Torino" – Gran Torino
Music By: Jamie Cullum, Clint Eastwood, Kyle Eastwood and Michael Stevens
Lyrics By: Jamie Cullum

"I Thought I Lost You" – Bolt
Music & Lyrics By: Miley Cyrus and Jeffrey Steele

"Once In A Lifetime" – Cadillac Records
Music & Lyrics By: Beyoncé Knowles, Amanda Ghost, Scott McFarmon, Ian Dench, James Dring and Jody Street

"The Wrestler" – The Wrestler
Music & Lyrics By: Bruce Springsteen

Será que essas indicações realmente serão prévia do Oscar? Depois a gente faz a comparação.

Participando da História

2008-12-11T15:54:00.002-02:00

O século 20 foi um período muito importante para história da humanidade, onde novas descobertas foram feitas e novas tecnologias foram criadas, trazendo à população, maravilhosos aparelhos para uso doméstico ou profissional. Seja a criação do motor de combustão, o desenvolvimento do sistema de gravações de áudio, a telefonia, a invenção do avião, a primeira ida do homem à Lua, e até nos dias de hoje a construção do LHC (o grande gerador de partículas), em tudo o ser humano vem desfrutando de uma vida mais confortável, tornando o trabalho e o lazer mais prático, rápido e divertido.

Na área musical, uma das coisas que muito revolucionou o modo de fazer o trabalho, foi a invenção do Sintetizador, aparelho este que sofreu várias modificações no decorrer de seu desenvolvimento, passando pelo uso de válvulas, transistores, chips, até chegar aos modelos virtuais os quais encontramos hoje na forma de softwares.
Da década de 60 pra cá, o uso de Sintetizadores pelos grupos musicais sejam eles de rock, jazz, discoteca, mpb ou da chamada música pop, marcou muito as gerações, e nós que vivemos alguns destes períodos somos testemunhas vivas disso tudo, vendo a cada dia surgir novas tendências, novos grupos, determinando todo um novo jeito de ser, onde cada Tribo tem muitas opções de escolha, principalmente por causa de outros estilos musicais derivados dos já existentes. É uma combinação interessante onde baterias, contrabaixos, guitarras, violões, sintetizadores e etc., se unem a orquestras, corais e tudo mais que se possa imaginar.

Na Publicidade não é diferente e todas estas tendências foram acompanhadas de perto, em comerciais de rádio, tv ou cinema. Hoje em dia quase todas as peças publicitárias, se não a maioria, tem sonoridades feitas com sintetizadores, e seja para aplicações musicais ou efeitos sonoros, o uso disto é imprescindível a qualquer profissional que queira interagir de maneira satisfatória no mercado de trabalho.
Orquestras são substituídas por samplers, baterias eletrônicas tomam o lugar das acústicas, violões deixam seu espaço para os pianos elétricos, etc. Também na técnica de Foley muita coisa foi facilitada pelo fato de sons poderem ser armazenados e sintetizados para fácil manipulação.
A trilha sonora de um modo geral acompanha tendências e se uma década é marcada por determinados estilos musicais, isto reflete diretamente no trabalho dos profissionais desta área.
Nos últimos 10 anos, porém, os grupos musicais têm configurado a formação de uma maneira mais acústica, passando a definir também uma sonoridade mais enxuta e simplificada. Algum instrumento musical que antes tinha sido colocado em posição de coadjuvante tem agora seu retorno com força total no papel principal, é o caso, por exemplo, do violão, o dobro, o baixolão, o acordeom, o cavaquinho, a viola caipira, a bateria e etc.
Sendo assim, é comum observarmos peças publicitárias feitas, por exemplo, com dois violões, um baixolão e a bateria ou em certos casos apenas um violão e se o sintetizador muitas vezes não ocupa mais a parte musical, passa então a funcionar como auxiliar, gerando efeitos sonoros à cena.

De uma forma geral, é importante observarmos e usufruirmos de todas estas transformações e se também podemos contribuir no desenvolvimento da história, então que assim seja e façamos nossa parte com o maior prazer.

Batman - o retorno... ao Oscar

2008-12-11T14:52:00.003-02:00

Do Variety
Hans Zimmer e James Newton Howard estão novamente na disputa pelo Oscar de melhor trilha (ou pelo menos na disputa pela indicação ao Oscar)

O Comite Executivo do departamento de Música da Academia revogou sua decisão de 10 de novembro onde declarava que a trilha de Batman - The Dark Knight era inelegível para a premiação de 2008.

A trilha havia sido desqualificada em razão de ter listado 5 nomes como compositores.

Após revisar as informações submetidas pelas partes, o comite concluiu que Zimmer e Howard eram os 2 responsaveis pela autoria da trilha.

Nem a lista de elegíveis, nem as cédulas de votação haviam sido distribuídas, portanto não há nenhuma confusão no processo de votação.

Mais sobre o morcego - Batman The Dark Knight

2008-12-10T07:00:00.000-02:00

Entrevista com Gary Rizzo (ganhador do Oscar pelo som de The Incredibles - 2004) e Lora Hirschberg, que mixaram o filme.

http://mixonline.com/video/video_audio_dark_knight/

Natal... mas, sem ser natal.

2008-12-09T07:00:00.001-02:00

Acabaram de colocar no ar um cartão de natal animado da Porto Seguro para o qual eu fiz a trilha sonora. Sempre acho esse tipo de cartão animado meio piegas, mas, modéstia as favas, a trilha ficou bem legal :-)

Tentei colocar a animação num player direto aqui, mas ela roda sem que o usuário dê o comando de "play". Como eu odeio sites que fazem isso, achei melhor colocar o link para a animação.

O link é esse aqui.

Detalhe curioso: a trilha não tem motivo explicitamente natalino (sinos e todos aqueles chavões musicais) porque o cliente tem origem judaica. Então é pra ser cartão de natal, mas sem ser... entendeu? :-)

Animação dos amigos da Mono 3D. Talentosos como sempre.

Guitarrista Joe Satriani acusa Coldplay de plágio

2008-12-06T07:00:00.000-02:00

Da Reuters
(Por Dean Goodman)

LOS ANGELES (Reuters) - O guitarrista Joe Satriani abriu processo contra a banda Coldplay, acusando os britânicos indicados ao Grammy de plagiar uma de suas músicas.

O processo, apresentado na quinta-feira a um tribunal federal de Los Angeles, alega que a música "Viva La Vida" tem "trechos originais substanciais" de "If I Could Fly", canção instrumental lançada por ele em 2004.

O guitarrista, de 52 anos, quer que o julgamento tenha um júri, além de ser compensado por danos e receber "todo e qualquer lucro" obtido com a música que supostamente foi copiada.

O Coldplay, cujo estilo é frequentemente comparado ao U2, foi indicado a seis Grammys na quarta-feira, perdendo em número de indicações somente para o rapper Lil Wayne.

A música "Viva La Vida" está indicada nas categorias "gravação principal" e "canção do ano".

O disco mais recente do Coldplay, "Viva La Vida and Death and All his Friends", atribui a composição aos quatro membros do grupo: o cantor Chris Martin, o baixista Guy Berryman, o guitarrista Johnny Buckland e o baterista Will Champion. O título foi inspirado numa pintura da artista mexicana Frida Kahlo.

A faixa de Satriani é do disco "Is There Love in Space?". O advogado de Satriani não fez mais comentários sobre o caso. O Coldplay também não afirmou nada.
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Ah, interessante notícia, mas como eu vou saber do que estão falando se não conheço nenhuma das músicas? Como eu posso ter uma opinião a respeito? Dá pra comparar as duas, de preferência lado a lado. Ou melhor, uma junto com a outra ao mesmo tempo?

Seu problemas acabaram:

Twyla Tharp - criatividade e motivação

2008-12-05T07:00:00.000-02:00

Twyla Tharp, coreografa americana premiadíssima (um Tony Award, dois Emmy Awards, dezenove títulos de Doutor Honoris Causa), mais de 135 coreografias criadas, coreografou 5 filmes de Hollywood, dirigiu e coreografou 3 espetáculos da Broadway, 2 livros escritos... enfim, vale a pena ouvir o que ela tem a dizer sobre criatividade:

Da Alma

2008-12-04T07:00:00.000-02:00

"Eu sou leitora de minhas próprias obras, porque, rigorosamente falando, não sou autora delas. Se é bom, é porque é belo, e a beleza não é obra minha. Ela vem de um lugar mais alto. Da parte da alma."

Adélia Prado - Revista da Cultura (edição 16 - nov/2008)

Quando li essa frase algo encaixou dentro de mim.
Finalmente o sentimento que eu tenho e não conseguia exprimir ganhou a forma de palavras. Claro que só um artista das palavras para fazer isso.

Esse é o sentimento que tenho quando ouço alguma trilha minha de tempos atras, que eu já me esqueci dela. Quase um susto. Um certo ar de perplexidade de ouvir algo belo, e ficar pensando: quem fez isso? Gostaria de ter sido eu.
E ai a ficha cai: "espera ai... eu conheço isso!"

Eu tenho uma "falha" como músico. Minha memória musical é muito curta. Então eu costumo esquecer muito facilmente do que já fiz. Esqueço com rapidez impressionante. É comum ouvir algo que compus a 2 ou 3 meses, e se me pegar de surpresa sem saber de onde está vindo aquela música, eu acabar ouvindo como receptor e não como emissor. E a sensação, por vezes, é essa que a Adélia Prado descreveu.

Se consigo alcançar um resultado belo, parece que veio de algum outro lugar. Da alma!

Essa é uma delas: Imaginação Infantil (trilha feita para campanha politica, para ser usada na abertura de um programa sobre Educação Infantil)

A Importância da Agência no processo de Criação

2008-12-03T09:52:00.006-02:00

Durante longos 11 anos venho trabalhando em uma Produtora de Áudio e Vídeo, que também é uma Agência Publicitária, atuante no mercado há mais de 30 anos, isto na região Centro-Oeste do país: Stylus Propaganda e Consultoria.

http://www.styluspropaganda.com.br

Tenho convivido com os mais diversos profissionais, que com a própria experiência contribuem no processo de desenvolvimento da história da Publicidade Brasileira.Sempre que aparece alguma pessoa nova na área, procuro observá-la e acabo me entrosando, de forma que nossos trabalhos possam se complementar, em beneficio de um resultado satisfatório.
Pois é, me lembro que este pensamento nem sempre foi assim e na verdade, veio sendo moldado com o passar do tempo.
No primeiro ano em que entrei nesta empresa, eu com meus 28 anos ainda tinha muito que aprender (bem mais que hoje) e não me esqueço de um episódio muito interessante, afinal foi muito importante nesta história toda:

Estava numa correria danada pra entregar um comercial e o vídeo já estava previamente editado; alguém da agência havia me passado um briefing, porém eu estava sem uma inspiração adequada praquela peça. Experimenta música, joga fora música, começa outra e nada. Tudo que eu fazia parecia não combinar com a coisa e comecei a entrar em desespero, afinal, era pra agência de publicidade e como bem sabemos tudo precisa ser “pra ontem”.
Nisto, um rapaz que na época trabalhava na área de coordenação da agência era um daqueles "fominhas" em música e sempre que podia, estava lá “sapeando” no estúdio de áudio (aliás, hoje é um grande amigo meu). Foi quando ele assim meio sem jeito disse pra mim:_ ”Olemir porque você não faz uma música assim ó?”... Então cantarolou uma melodia que bem me lembro, era algo bem simples, com um ritmo em 6/8.
Pôxa, foi tiro e queda, fiz a trilha do jeito que ele havia me sugerido e acabou ficando bacana; comercial aprovado, eu com uma gostosa sensação de alívio e o sujeito muito feliz pelo fato de ter me ajudado no estúdio de áudio.

Durante um bom tempo fiquei pensando sobre aquilo: Uma situação que normalmente, por causa da tensão típica do momento, eu não aceitaria qualquer sugestão, afinal estava muito concentrado e qualquer palavra alheia poderia estragar uma idéia criativa. E foi justamente naquela quebra de concentração, juntamente com o talento do jovem ajudante que acabei gerando a música apropriada ao comercial.
Nunca mais deixei de ouvir quem quer que seja ao sugerir “porque você não faz assim ó?” e fico pensando que na verdade, este tipo de “assessoria” deveria ser é paga, e em dinheiro, porém muitas vezes as pessoas dão uma opinião de bom coração, simplesmente por querer participar, dar um palpite, enfim, ajudar na resolução do problema.
Sempre que me chega um comercial novo, procuro ouvir quem criou a idéia, se têm algo mais pra me passar em relação à trilha sonora e também ouço outras pessoas da agência ou da produtora, mesmo que elas não tenham nada a ver com o ramo musical.

Grande abraço a todos.

Movie music mavens mull the state of a changing biz

2008-12-02T06:00:00.000-02:00

Movie music mavens mull the state of a changing biz
Composers and music execs discuss tech tricks, marketing and originality in film music

A conversa é muito boa, e com alguns dos gênios das trilhs sonoras da atualidade.
Apesar do artigo da Variety ser de 2006, acho que vale reproduzi-lo aqui:

On Nov. 6, a group of top composers and music execs gathered at the Variety offices to talk about the state of contemporary film music. Composers Hans Zimmer ("The Da Vinci Code," "Pirates of the Caribbean: Dead Man's Chest") and John Powell ("Happy Feet," "United 93") were joined by Fox Music prexy Robert Kraft and Sony Pictures Worldwide Music president Lia Vollack. Composer Thomas Newman ("The Good German," "Little Children"), unable to make the lunchtime meeting, was interviewed on the same topics later in the day by moderator Jon Burlingame.

Variety: Let's start by talking about the role of technology in the job of a film composer. Has it changed how you do business?

Newman: It gives collaborative immediacy. There are ways in which you can put music up against image and have an immediate response to it -- so a lot of the poetry of being a composer is gone because here you are "presenting." But that's also a good thing because in fairness to directors, who want to be able to collaborate and tell stories well with music, oftentimes that kind of collaboration in a small studio environment is valid in terms of good dramatic musical choices later on.

Zimmer: Our ambitions are still the same. Let's just write a decent tune and somehow get it in there. The world is our oyster with iChat. It doesn't cost anything, and suddenly I've got a drummer in Senegal in my room, a guy I always wanted to work with. As a musician, it's fantastic, and it's great for filmmakers.

Kraft: The job hasn't changed, but the way it's done has absolutely evolved. I had a number of bad experiences with composers on different continents -- but recently we've had spotting sessions with a composer on a big screen in one room, and a director sitting at the table, and everybody's happy. The technology has evolved to a place where it feels like we're together.

Variety: Some film songs, and even film scores, are no longer available on CD but are available as downloads. Does this mark a sea change in the marketing of movie music?

Newman: This happened to me on "Little Children." We were told it was going to be a digital release, and the reality of it all was startling. The way in which we listen to music, the delivery of music is so profoundly different. As someone who grew up with LPs and CDs, I'm used to the physical aspects of having a jewel case, taking out the artwork and perusing it as I'm listening.

Vollack: Consumers don't want to consume music in a way that they've been told they have to. They want to be able to get this song, to hear this from their friends, to see it on a MySpace page, to get an email about a clip on YouTube. It's mostly about giving consumers that extra piece they want to have, but at the same time being able to give it to people in a satisfying way.

Beyond what we do in servicing the film, which is the most important thing, the bottom line is, none of the commerce of getting the music out is substantial.

Kraft: "The Devil Wears Prada" did $288 million worldwide for Fox studios. It was No. 1 in every market. A soundtrack that has Madonna, U2, Alanis Morissette, Jamiroquai -- the kind of movie for which, five years ago, all of us would be celebrating platinum records. With all due respect to my great friends at the label that put it out, we might be at 30,000 units. That is a stunning sea change.

If you see "The Devil Wears Prada" and you hear the U2 song over that beautiful scene where Meryl Streep arrives in Paris, you think, "I love this song, I'm going to go cherrypick that song off the iTunes site, or maybe it's already on the U2 album I have. I don't know if I need Fox to compile 14 songs for me on a separate, stand-alone album."

Variety: Is there less originality in movie music than, say, 20 or 30 years ago?

Zimmer: I think there is more originality. There's just so much of it: the diversity of voices, and they're strong voices and styles.

Kraft: There is an international film community now where I am hearing things that are not coming out of Hollywood -- other voices that ordinarily might be hard for us to hear.

Powell: (At a recent film music concert) Gustavo Santaolalla came on and played "Brokeback Mountain." It struck me what an amazing piece it was, an amazing score. It resonated through me, and more significantly, he just played it on a guitar. Not only did it evoke the movie, it evoked everything that's great about good music. Gustavo comes from a record background.

Newman: I don't go to a lot of movies and say, "Wow, I've never heard something like that before." I think what I'm aware of more than anything, with such a high degree of collaboration from film people to musicians, is that a lot of the essential musical choices are made almost before a composer is hired. You can argue that, yes, it's temp music, but it still is an indication from editorial and filmic people that tell you the direction you need to be going in. So oftentimes a lot of those dramatic issues have been solved prior to your involvement, and your job is to satisfy those dramatic requirements and hopefully not have to cop the temp.

Variety: Why are so many scores now thrown out at the last minute?

Vollack: Film scores go south more often now than they used to, but not because the composers are any less talented, or because the directors are any less clear about what they're saying. I think part of it is, oddly enough, temp scores are so good now. On a film where a composer doesn't start doing the mockups early, some directors get really accustomed to being able to cull from all of the best pieces ever written and put them all in their movie. They temp the whole thing with everything that they love.

Kraft: Lia's correct. The pressure in a preview situation with the temp music -- and the picture working in that situation -- and then suddenly somebody's job is to replace that with something original? It's of course going to be different.

Newman: It's the cheapest way to effect change in a post-production environment. Sometimes it's sacrificial; sometimes composers are thrown off movies not because the scores are bad, but because it's the easiest thing to unload and fairly cost-efficient. I think temps are terrible things mostly because if you listen to anything, you immediately become biased to it. You can see a movie with no music in it and you can have a number of types of creative reactions, but the minute they play a temp you go, "Oh, it's that." You can say, "No, no, no, it's the temp, I'm not going to pay attention," but still you're tainted now. There's a pill in your drink.

Vollack: I don't think you always have to throw out a score entirely. I think there's a lot you can do to triage the score, fix the score, license a piece of music here, get somebody to fix three more spots if the composer and director are at an impasse. It can be done really well; you can achieve good things.

Variety: What does that say about how respected composers are as creative collaborators in the filmmaking process?

Kraft: Alberto Iglesias (at a "Volver" screening) talked about the way that (director Pedro) Almodovar discussed the light in a particular scene and he wanted the music to be like the light in a Velasquez painting.

Powell: That's one of the most useful things somebody could say to you. (Instead of) "Listen to this piece I've temped in here, can you do something like that?" If somebody says, "Look at the light," and treat you as an artist, they're going to get much better results. I think what's great is to always have at the back of your mind: "OK, I can make a piece that sounds very similar to that temp. But I've got at least three ideas on this, and I'm going to give it a really good go, and if it doesn't work, I know how we can fix it."

Zimmer: When I play a cue to a director, I might have worked on it for weeks, yet the director doesn't like it. First of all, they are not saying, "You're an idiot for having written this thing." But the thing is, it just doesn't communicate yet. I'm happy to go back and have another bash at it, because this isn't some sort of mathematical formula. These are very subtle shadings, and usually words don't work. We're forever trying to progress in some way or another, but we love the idea of: A) the process of writing, and B) solving the riddle.

Newman: It can be a great time for film music. Does it turn out that way? Not all the time, because there are so many people -- middle-management people -- with agendas that can make things more difficult. I'm so grateful to just be in a room with great players and hang with them, and have lunch with them. Any time is potentially a great time. Yes, you may be shot down, and things may be awful, but things can also be potentially fantastic. Sometimes when you say, "I want to be a part of this movie," as opposed to ride a surfboard on top of it, everyone does better.

O homem por trás da música de "Lawrence da Arábia"

2008-11-28T13:50:00.000-02:00

Em visita recente ao Japão (para participar do Osaka European Film Festival) o compositor Maurice Jarre, ganhador do Oscar por 3 vezes, falou sobre o seu trabalho no filme Lawrence da Arabia. Muito interessante!

Transcrevo abaixo algumas colocações suas:

"Eu pretendi transportar imediatamente a audiência para o mundo Árabe usando percussões no começo do filme.

Compor para as 4 horas de filme foi muito doloroso porque me foi dado somente 6 semanas para completar minha missão. Eu assisti uma versão sem edição do filme de 40 horas de duração, e a inspiração começou a fluir."

Não, o filme não está com problemas. Começa somente com a trilha, tela preta. A imagem só aparece aos 4:20s. Isso já demonstra a importância que o diretor dá para a trilha.

Se preferir ver direto no Youtube, agora tem versão widescreen:

http://br.youtube.com/watch?v=Ap8RXBpE9wQ

Jarre teve uma enorme e bem sucedida relação com o diretor David Lean, que dirigiu além de Lawrence da Arábia, Doutor Jivago e Passagem para Índia, todos com trilha sonora de Mauricie Jarre, cada uma delas premiada com o Oscar.

"Bons diretores como David Lean sabem perfeitamente como usar a música de forma efetiva num filme. Ele até mesmo me pedia para expressas sentimentos sutis de protagonistas através da música, sem diálogos.

Por outro lado, não importa quão excelente possa ser a música, filmes medíocres não podem ser transformados em filmes excelentes"

fonte: Daile Yomiuri Online

Imagina só escrever música para um filme de 4 horas em apenas 6 semanas. E a gente fica reclamando de prazos curtos!!

Jimi Hendrix - para festejar seu nascimento

2008-11-27T07:00:00.000-02:00

James Marshal Hendrix (a.k.a. Jimi Hendrix) nasceu em 27 de novembro de 1942. Mudou o rumo do rock, mudou o jeito de tocar guitarra, deixou todos de boca aberta quando apareceu com sua banda.

No começo da carreira chegou a acompanhar a banda de Little Richard. Obviamente não havia espaço no mesmo palco para 2 estrelas querendo aparecer. Little Richard perdeu o guitarrista. O mundo ganhou Jimi Hendrix.

Alguns fatos interessantes:

Hendrix ganhou sua primeira guitarra em 1959 (aos 17 anos). Nesse mesmo ano, sua única nota baixa na escola foi em... música!
Professores de música realmente não sabem nada!

A primeira apresentação profissional de Hendrix foi com uma banda sem nome, no porão de uma sinagoga. Após tocar coisas muito doidas e se mostrar muito no palco, foi expulso da banda no intervalo da apresentação.

No dia 9 de dezembro de 2008 será lançado uma edição comemorativa de 40 anos do album Eletric Ladyland (CD+DVD), incluindo o documentário At Last The Beginning... Tha Making os Eletric Ladyland. Aqui você pode ter mais informação e ver alguns trechos do documentário.

Abaixo deixo com vocês o documentário sensacional sobre sua vida - Jimi Hendrix: The Uncut Story, em 3 partes:

parte 1

parte 2

parte 3

A importância do Músico

2008-11-26T08:33:00.006-02:00

Não me esqueço daquele dia, era uma manhã tranqüila e eu estava no estúdio lendo uma pequena partitura de um autor qualquer; nem me lembro o nome.
De repente entra um amigo, ele é um Diretor de vídeo, daqueles competentes e animados com as novidades:
"-Olemir, você já viu aquele software que faz a Trilha?"

eu, tipo assim, me fazendo de bôbo, logo perguntei:
" - Como é isto? "

Ele meio que não acreditando que eu não conhecia aquilo, prontamente, de maneira empolgada me explicou a situação:
"-pois é... eu estava lá na Produtora "X",editando o vídeo "tal" e levamos mais ou menos umas duas horas fazendo isto e no final o Editor disse:"-Agora vamos fazer a Trilha Sonora."..."ele abriu um software e apertou alguns botões e pronto,estava lá a Trilha do VT."

eu,assim sem entusiasmo algum,logo lhe perguntei:"-E aí,ficou boa a tal trilha?"

"-não Olemir, pra te falar a verdade eu não gostei... Era pra ser uma idéia mais "pontuada", com um clima um pouco diferente, mais emocional... Mas enfim, o VT é daqueles baratinhos. "

Fiquei durante um bom tempo (pra não dizer até hoje) pensando naquela situação:

Chegará o dia, em que o trabalho produzido por minhas mãos, nascido em minha Alma, com a inspiração mais pura, proveniente Daquele que,além de me dar este Dom ainda me deu Saúde pra continuar lutando,será enfim substituído por um software?

-NÃO!

Graças ao bom Criador, uma mente foi Iluminada pra criar os tais softwares, porém os mesmos ainda precisarão de alguém com Inspiração pra fazer a escolha certa do Gênero Musical, pra moldar os climas de acordo com as cenas, ou simplesmente dizer: "Aqui não precisa de trilha nenhuma... aqui, quero apenas o Silêncio absoluto!"

-SIM!

A Música, aquela que é "a arte de manifestar os afectos da alma, através do som "(Bona), ainda está Viva e muito viva em nossas Almas, à espera do momento certo pra vir à este mundo,para complementar a Cena da Peça Teatral, as Palavras do Poeta Apaixonado,A Propaganda do Varejão da Economia,a Dança Funk do Morro do Adeus,enfim,as Cenas do Filme no Cinema, e etc.

Não devemos pensar que nosso trabalho terminou, ou que nossa carreira já está completa, pois a cada dia surge uma nova situação e sempre, em cada pedido novo, devemos estar dispostos à abrir nossas mentes, deixando fluir a mais Divina Música, aquela, inspirada no infinito Universo e manifestada aqui, à serviço da Humanidade.

Grande abraços à todos!

Tributo a Freddie Mercury - 17 anos de sua morte

2008-11-24T11:52:00.002-02:00

Em 24 de novembro de 1991, Freddie Mercury faleceu em decorrencia de complicações provocadas pela AIDS em sua casa, em Lodres, aos 45 anos, um dia após ele ter admitido publicamente que era HIV positivo.

Durante a carreira do Queen, eles colocaram mais de 40 singles entre os Tops 40 UK (parada de sucesso inglesa), incluindo a mais famosa no nº 1 “Bohemian Rhapsody” lançada em 1975.

17 anos depois, ao ser incluída no filme Wayne´s World (Quanto mais Idiota Melhor), a música atingiu o 1º lugar novamente nas paradas de sucesso na Inglaterra e pelo mundo afora, acontecimento único na história da música. Hoje é quase impossível ouvir essa música no carro sem balançar a cabeça como os personagens do filme.

Uma das músicas que eu mais gosto do Queen é “Love of my Life”.

Essa música tem uma história muito interessante.
Freddie Mercury compôs essa música para um antigo amor dele, Mary Austin, que foi sua namorada por 6 anos antes dele assumir sua opção sexual por homens, e foi sua melhor amiga até o fim da vida. Mary Austin herdou a fortuna de Freddie quando esse morreu.

Aqui um “making of” da gravação da música, contando um pouco sobre essa história de amor verdadeiro.

E uma vídeo super conhecido nosso, da apresentação do Queen no Rio de Janeiro, 1985.

Ele praticamente não canta, mas deixa o Maracanã inteiro cantar... e apesar disso (ou justamente por isso), o público vai ao delírio. Isso é que é artista, isso é que é domínio de palco!

Ambiência e harmonia.

2008-11-21T12:17:00.001-02:00

Olá pessoal, eu sou Kiko Steltenpool, tenho uma produtora de áudio chamada SteltenStudio em São Paulo, crio e produzo sons para muitos, muitos fins, algo que me dá grandessíssimo prazer.
O perfil da minha escrita e dos meus assuntos tendem a ser muito técnicos, por isso me esforçarei para não exagerar, discorrendo textos simples para todos entenderem.

Então, para dar início a minha participação aqui no blog, começo fazendo uma abordagem sobre um elemento muito importante quando se pensa num clima para uma trilha sonora, a harmonia, no sentido amplo da palavra. É aquilo que não é nem o ritmo, nem a melodia. Pessoalmente incluo na harmonia, que seriam basicamente os acordes na escola tradicional, todos os efeitos não melódicos, sintetizados ou não, a sonoplastia, inclusive o silêncio absoluto. O conjunto disso tudo trará a ambiência daquilo que se quer sonorizar, são esses os elementos principais para incorporar emoção, seja ela qual for, responsáveis por grande parte da trilha.

Pensar nessa harmonia e ambiência antes de tudo, pode encurtar muito o caminho para se chegar numa melodia e/ou ritmo. É obvio que existem trabalhos em que os últimos vem em primeiro, mas essa é apenas uma das formas para se começar, existem tantas...

É um tópico muito importante! Acho primordial refletir sobre isso antes de começar a criar uma trilha, elemento que nós compositores sentimos falta quando recebemos o briefing, pois na maioria das vezes ouvimos assim: “- Quero algo animado, pra cima!” Imagine só quanta informação pode conter dentro dessa frase! E qual delas vou usar para compor?
Pois é, tá aí a grande graça de ser compositor e produtor de trilhas, transmitir através de sons aquela informação que nem recebemos direito.

Por se tratar de um assunto muito vasto, darei continuidade a ele nos tópicos seguintes.
E deixo aí uma trilha chamada Artibeus, composta por Hans Zimmer & James Newton Howard, para o filme Batman Begins. Não há melodia nem ritmo, só efeitos e harmonia. Aconselho procurarem a versão original com som estéreo e de boa qualidade.

E agradeço aqui ao Mauricio Domene por ter me convidado como colaborador do blog. Valeu Mauricio!!

Grande abraço a todos e até a próxima!!

O Mestre-Sala dos Mares

2008-11-20T14:15:00.002-02:00

Em homenagem ao "Dia da Consciência Negra"

Hoje está sendo inaugurado uma estatua em homenagem ao "Almirante Negro", João Cândido Felisberto, líder da Revolta da Chibata.

Não por coincidência a data escolhida cai no "Dia da Consciência Negra".

No vídeo, legenda com a letra original, censurada pela ditadura militar, não por motivos políticos, mas por motivos racistas!

Abaixo transcrevo uma entrevista dada por Aldir Blanc (co-autor da música com João Bosco) explicando a letra, a história de como ela foi criada e os problemas que enfrentaram para que a letra fosse liberada pela censura.

Fonte: DHnet.org.br

"Fui apresentado ao compositor João Bosco por um amigo comum, Pedro Lourenço, na época estudioso de literatura. Arte. etc. Pedro havia feito pesquisas sobre a vida de João Cândido e a Revolta da Chibata. Na mesma época, o MAU (Movimento Artístico Universitário) foi muito influenciado pelo cineasta Cláudio Tolomei, já falecido. Tomolei tinha um projeto de fazer um curta com João Cândido. Formamos uma espécie de quarteto (Bosco, Cláudio, Pedro e eu) estudando e conversando sobre a importância gigantesca da Revolta da Chibata e da figura histórica de João Cândido para a cultura brasileira. Baseado no conhecimento que Pedro e Cláudio tinham do assunto e no livro, um marco, de Edmar Morel, Bosco e eu resolvemos partir para uma estrutura de samba-enredo clássico, que pudesse inclusive ser confundido com os outros sambas-enredos do ano – o que realmente aconteceu e nos emocionou muito. As pessoas ouviam “O Mestre-Sala dos Mares” e perguntavam: “Esse samba é de escola mesmo?”.

Tivemos diversos problemas com a censura. Ouvimos ameaças veladas de que o CENIMAR não toleraria loas e um marinheiro que quebrou a hierarquia e matou oficiais, etc. Fomos várias vezes censurados, apesar das mudanças que fazíamos, tentando não mutilar o que considerávamos as idéias principais da letra. Minha última ida ao Departamento de Censura, então funcionando no Palácio do Catete, me marcou profundamente. Um sujeito, bancando o durão, ficou meio que dando esporro, mãos na cintura, eu sentado numa cadeira e ele de pé, com a coronha da arma no coldre há uns três centímetros do meu nariz. Aí, um outro, bancando o “bonzinho”, disse mais ou menos o seguinte:

- Vocês não então entendendo... Estão trocando as palavras como revolta, sangue, etc. e não é aí que a coisa tá pegando...

Eu, claro, perguntei educadamente se ele poderia me esclarecer melhor. E, como se tivesse levado um telefone nos tímpanos, ouvi, estarrecido a resposta, em voz mais baixa, gutural, cheia de mistério, como quem dá uma dica perigosa:

- O problema é essa história de negro, negro, negro...

Eu havia sido atropelado, não pelas piadinhas tipo tiziu, pudim de asfalto etc, mas pelo panzer do racismo nazi-ideológico oficial.

Decidimos dar uma espécie de saculejo surrealista na letra para confundir, metemos baleias, polacas, regatas e trocamos o título para o poético e resplandecente “O Mestre-Sala dos Mares”, saindo da insistência dos títulos com Almirante Negro, Navegante Negro, etc. O artifício funcionou bem e a música fez um grande sucesso nas vozes de Elis Regina e João Bosco. Tem até hoje dezenas de regravações e foi tema do enredo “Um herói, uma canção, um enredo – Noite do Navegante Negro”, da Escola de Samba União da Ilha, em 1985.

Orgulho-me de, por causa deste samba, ter recebido a Medalha Pedro Ernesto, com João Bosco e o próprio Edmar Morel – infelizmente também já falecido – na presença dos filhos de João Cândido.

Aldir Blanc"

Versão maravilhosa na interpretação de Elis Regina:

E aproveitando que estou embalado postando vídeos, mais algumas maravilhas da cultura afro-brasileira:

Banda Black Rio - Maria Fumaça

Dona Edith do Prato - Marinheiro Só

E pra fechar, Jorge Ben Jor - Zumbi

A importancia da Trilha Sonora

2008-11-17T10:50:00.005-02:00

Olá,
meu nome é Olemir Candido,sou músico desde 1981 e atualmente estou em Goiás,na região Centro-Oeste.Trabalho com publicidade e também com Produção de Discos e Dvds(audio).
Estou muito feliz em ser convidado à participar deste blog e espero poder contribuir sempre com algo útil ao nosso dia a dia.

Quero deixar 3 videos que mostram a importância da Trilha Musical em um Video.Dependendo da escolha feita,a música tem o poder de influenciar nossos sentidos em várias direções.
Espero que gostem:

um abraço!

Past, Present and Future of Music

2008-11-14T18:39:00.002-02:00

Palestra apresentada por Dave Kusek no Business Innovation Factory Summit sobre a indústria da música. Muito interessante para entender a crise pela qual passam as gravadoras, e os caminhos que existem para os artistas hoje e no futuro.

Dave foi o criador da bateria eletrônica, que fez surgir a onda da Disco Music, criador da Passport Designs, empresa pioneira na criação de softwares de música. Foi um dos criadores do MIDI. Ou seja, é o cara para falar sobre mudanças e futuro na música.

The Story of the Guitar

2008-11-14T11:05:00.002-02:00

Série da BBC sobre a história da guitarra. Com entrevistas com grandes guitarristas da história.
A do vídeo abaixo é com Pete Townshend (The Who), que entre outras coisas foi o cara que inventou a destruição no palco de guitarras, simbolo do rock ´n´roll, e ato odiado por músicos do mundo inteiro. Onde já se viu destruir uma Gibson... sacrilégio!

No site abaixo veja os outros vídeos (BB King, The Edge - U2, Les Paul e outros) e episódios da série.

http://www.bbc.co.uk/musictv/guitars/

R.I.P. Mitch Mitchell

2008-11-13T16:14:00.002-02:00

Baterista da lendária The Jimi Hendrix Experience.
Foi encontrado morto no quarto do hotel onde vivia, aos 61 anos.

Obituary: Mitch Mitchell 1947-2008
Mitch Mitchell, best known as Jimi Hendrix's drummer in The Jimi Hendrix Experience, was found dead in Portland, Oregon last night (November 12).

According to early reports, the drummer, who was still touring with the Experience Hendrix Tour, passed away in his hotel room. He was 61.

Born on July 9, 1947 in Ealing, west London, Mitchell began his showbiz career early, appearing on a children's TV show while still a teenager, before graduating to drums with a series of bands in the '60s.

Mitchell joined The Tornados in 1963, though it was rumoured that his individualistic approach to the drums caused him to clash with the band's pioneering producer Joe Meek, who wanted someone who would follow orders without adding an artistic interpretation.

He then played with groups including The Coronets, The Lively Set, The Riot Squad - and he even auditioned for The Who in 1964, but lost out to Keith Moon.

Having drummed for Georgie Fame in the mid-'60s, Mitchell was eventually recruited to drum for Hendrix in around 1966 after the US guitarist had been brought over to the UK by his manager, and former member of The Animals, Chas Chandler.

Joined by Noel Redding on bass, the trio recorded the albums 'Are You Experienced', 'Axis: Bold As Love' and 'Electric Ladyland' together, with critics noting Mitchell's ability to blend in jazz-inspired rhythms into rock 'n' roll.

During that period, while Redding and Hendrix were said to have had their differences – the bassist was actually a guitarist first and was frustrated at not playing his original instrument – Mitchell remained a constant presence, with the pair recording the acclaimed cover of Bob Dylan's 'All Along The Watchtower' together in 1968, with Hendrix supplying the bass part.

In 1968 Mitchell also played drums in the Dirty Mac band which featured John Lennon, and famously played as part of The Rolling Stones' TV special 'Rock And Roll Circus'.

Although The Jimi Hendrix Experience split in 1969 and Mitchell was not involved in the guitarist's subsequent band Gypsy Sun And Rainbows, he returned to drum for Hendrix's headlining appearance at the 1969 Woodstock Festival.

The pair then recruited bassist Billy Cox for a new incarnation of the Hendrix Experience in 1970, often known as the Cry Of Love band, who toured the US and Europe.

Following Hendrix's death on September 18, 1970, Mitchell worked on several posthumous recordings, before getting involved in a series of session work over the decades.

At the time of his death Mitchell was involved in the Experience Hendrix Tour, which saw the drummer and a series of guests performing the Experience's songs live.

Following US dates, he was due to return home to the UK on November 12, but was found dead in his hotel room having died of natural causes according to the Multnomah County Medical Examiner.

Pure Rock - arquivo de fotos

2008-11-11T17:13:00.003-02:00

Fazia tempo que eu não visitava o blog fotografico do Mr. Gibson.
Por várias vezes ele interrompeu o blog, fechou e reabriu, etc. mas agora está no ar e firme a algum tempo.

Pra quem gosta de rock e de fotografia, é um banquete. Muitas fotos raras, backstage, e shows.
Recomendo!

Uma amostra do Queen - 1981

http://purerock.zip.net/

Reforma no blog

2008-11-11T11:00:00.002-02:00

Blog passando por reformas, grandes e estruturais.
Em breve anunciarei as novidades. Fiquem ligados porque vai ser bem legal e o blog deve pegar fogo.

Enquanto não refaço o site...

2008-05-27T10:30:00.003-03:00

Já que estou demorando para refazer o site da produtora, e no que está no ar não tem nenhum vídeo, resolvi colocar no youtube meu portfólio de trilha sonora.

Aqui está:

Maioria dos CDs 'piratas' são fornecidos por gravadoras

2008-05-21T10:59:00.001-03:00

Notícia veiculada no Meio&Mensagem

Estudo da Associação Brasileira de Música Independente aponta que 80% dos exemplares são distribuídos pelas empresas; denúncia será investigada pela Polícia Federal

Alexandra Bicca

20/05/2008 - 16:02

O vice-presidente da Associação Brasileira de Música Independente (ABMI), Francisco João Moreirão de Magalhães, afirmou na manhã desta terça-feira, 20, em audiência pública na Comissão de Educação do Senado, que 80% das cópias de CDs que entram no mercado informal são fornecidos pelas gravadoras. A declaração de Magalhãoes fez com que os senadores presentes solicitassem a investigação dessa informação. O assunto será encaminhado à Polícia Federal e também ao Conselho Nacional de Combate à Pirataria.

Para o vice-presidente da ABMI, que apóia e defendeu a atuação do Escritório Central de Arrecadação e Distribuição (ECAD), essa é última garantia que os autores nacionais têm de defesa dos seus direitos e proteção dos seus conteúdos. Magalhães declarou que o Brasil vive uma momento difícil nessa área, pois está aos poucos vendo a cultura nacional ser substituída pela cultura norte-america - classificada por ele como "subcultura". Para ilustrar essa declaração, Magalhães apresentou dados que mostravam que em maio do anos passado os filmes O Homem Aranha 3, Piratas do Caribe 3 e Shrek 3 ocupavam mais de 80% das salas de cinema do Brasil.

O pagamento de diretos autorais através do Ecad também foi discutido pela Comissão de Educação do Senado. De um lado integrantes da instituição, que defendem a fórmula de cobrança, e do outro representantes dos setores que queixaram-se do modelo que, segundo eles, prejudica o mercado nacional sem necessariamente significar incremento de ganho para os autores. A falta de fiscalização estatal sobre o Ecad - o Brasil tinha um conselho responsável pela fiscalização que começou a ser extinto nos anos 90 - e a necessidade de uma nova lei sobre a regulamentação dos direitos autorais no país foram reivindicadas por aqueles que se sentem prejudicados e pelos senadores que participaram do debate.

A lei prevê o repasse dos direitos autorais ao Ecad, a instituição definiu o percentual de 2,55% sobre a arrecadação bruta das empresas obrigadas a fazerem o repasse. De acordo com as informações passadas na audiência, a maior parte das emissoras de TV do país e mesmo as operadoras de TV por Assinatura não estão fazendo o repasse desses valores por discordarem do cálculo proposto. Há uma série de ações judiciais questionando o critério de cobrança.

Semp Toshiba - a arte de criar sons

2008-04-24T11:41:00.000-03:00

Outro da série poeira...

Agencia Talent novamente, produtora do filme: O2.

Esse filme tem uma caracteristica comum a todos os filmes da série que fizemos da Semp Toshiba e de muitos comerciais (e filmes longa metragem também): ele é quase mudo.

Como assim?

Quer dizer que o que você ouve não foi gravado junto com a imagem. Com exceção da voz do moleque que corre pela fila, todo o restante foi produzido depois, na finalização do som do filme. O burburinho das pessoas na fila, o homem que pede o ingresso no caixa, os barulhos do tênis do garoto, o transito, o ruido do caixa, o garoto mostrando a lingua. Ouça várias vezes e perceba todos esses sons. Tudo foi criado em estúdio depois da filmagem, pela produtora de som.

Brastemp

2008-04-23T11:13:00.001-03:00

Encontrei alguns comerciais da série Semp Toshiba que comentei anteriormente.
Ué? Não tem trilha?
Tem sim, mas é só na assinatura, que é como a gente chama aqueles 3 ou 5 segundos finais onde o locutor fala o o slogan do produto e a imagem mostra o produto (Pack Shot).

A criação dessa assinatura musical foi do Emilio Carreira, baseada no antigo Coral dos Bigodudos. A série rendeu muitos filmes bons (acho que mais de 30) sempre com o personagem sentado em uma poltrona, um take somente (sem cortes). Criada pela Talent sob o comando do Mauro Perez na direção de criação, os filmes foram produzidos pela O2 e dirigidos pelo Fernando Meireles (ele mesmo, do filme Cidade de Deus).

Releasing the music in your head

2008-04-21T00:07:00.003-03:00

Por alguma razão que não entendo, não consegui colocar a janela do vídeo aqui nesse post. Então você vai ter que ir no link abaixo e ver o vídeo lá na pagina da TED.

Impressionante o que esses caras estão fazendo em termos de tecnologia aplicada a criação e execução musical, tanto para virtuosos da música como para amadores. O vídeo tem perto de 20 minutos, mas vale a pena ser visto até o fim, quando um rapaz com paralisia cerebral executa no palco uma das suas composições, feitas a partir da nova tecnologia criada pelo grupo do Tod Machover.

http://www.ted.com/index.php/talks/view/id/246

Tod Machover of MIT's Media Lab is devoted to extending musical expression for everyone -- from virtuosi to amateurs, and in the most diverse forms -- from opera to videogames (Guitar Hero grew out of his group). At TED2008 he talks about what's coming next, from new tools for music creativity to the world's first robotic opera. Machover then introduces Dan Ellsey, a young man with cerebral palsy who has found his voice through music created and performed using Media Lab technologies. Ellsey plays his "My Eagle Song" in a soaring rendition that underscores music's power to heal, to communicate, and to inspire.

Faber Castel - 1995

2008-04-18T10:56:00.002-03:00

Encontrei hoje no YouTube. Um comercial da Faber Castel com canção do Toquinho (Aquarela). O som está podre, mas vela pelo registro. Fiz esse arranjo enquanto trabalhava na produtora Piano, com produção do Emilio Carreira. A Piano virou Zeeg2. Naquela época a gente ganhou um montão de prêmios com esse e outros comerciais. Só pra ter uma idéia fomos 5 vezes ganhadores de Prêmio Profissionais do Ano da Globo com campanhas para Brastemp, Semp Toshiba e Pullman.

Vou ver se encontro outros comerciais dessa época e coloco aqui.

Procura-me, o desenho

2008-03-29T12:04:00.002-03:00

Da Folha, Mônica Bergamo:

"LIGA ANIMADA
Luana Piovani, Jerry Adriani e Paulo Ricardo estarão juntos no longa de animação "Procura-me", do diretor e roteirista Zé Mucinho. Os personagens do filme terão a voz e a feição dos artistas. O designer gráfico Eduardo Guman, que trabalhou nos efeitos especiais de "Matrix", cuidará da produção, prevista para sair em 2009."

Turma da pesada. Estou junto com eles iniciando o processo de criação da trilha sonora da animação, e sonoplastia.

Já trabalhei com o Mucinho no documentário "Povos do Bananal". Pessoa impar.

Ontem estive na Sumatra (produtora) e conheci o Mauricio Muniz (co-roteirista e co-diretor), e o Jerry Adriani.

O personagem que o Jerry interpreta é um ex-cantor, e comporemos algumas canções para o desenho, em parceria. Pelo menos esse é plano.

O projeto tem um blog, para quem quiser acompanhar o processo todo.

Esse promete!

Mixagem Surround - formatos diferentes

2008-03-21T13:56:00.000-03:00

Mixagem Surround - formatos diferentes
Fora do conhecido 5.1

Já havia feito mixagem em 6.0, na verdade 12.0.. um corredor ladeado por paredes inteiras de vídeo (6 painéis de cada lado) numa festa da F1 - Marlboro. Os convidados passavam por esse corredor e nas laterais passavam imagens de carros F1 de ponta a ponta. Atrás de cada tela havia um falante e o som do carro passava rapidamente por esses falantes acompanhando a imagem, e dava a sensação que o som do motor vinha do carro mesmo. Era na verdade 6.0 porque cada lateral corria independente. Foi meio complicado de bolar um jeito do software trabalhar nessa condição de 6 canais em linha reta um após o outro, mas funcionou.

Já fiz 4.0, no formato quadrifonico convencional. Porque 4.0 e não 5.1? Porque a imagem era gerada a partir de 2 maquinas de vídeos (imagem em 3D, com uso de óculos, imagens sobrepostas) e por isso tínhamos 4 canais de audio para trabalhar.

Mas hoje fiz um 4.0 diferente, e muito interessante! Um canal na frente, um traseiro, um a lateral esquerda (do lado mesmo) e outro na lateral direita.

O formato diferente foi pedido para acompanhar uma instalação de vídeo que é uma sala onde o vídeo é projetado sobre as 4 paredes (telas independentes, imagens diferentes mas sincronizadas). E atrás de cada tela, um falante.

A principio fiquei receoso de como iria resolver a coisa, pois é um formato bem diferente, sem o recurso de ter 2 canais frontais para poder brincar com o estéreo como fazemos todo dia.

No final acabei usando PAN em pares entre frontal/traseiro, e L/R, com instrumentos (todos eletrônicos) brincando nessa disposição, com ecos nos pares contrários.
Mas o mais legal foi que peguei um dos sints que era o principal, e tocava notas bem espaçada (a trilha é toda minimalista, muito espaço, muitas pausas) e dividi em 3 canais, alternando as notas entre canal frontal, canal esquerdo e canal direito. Ficou muito bom.

Pena que não dá pra mostrar o resultado a não ser na exibição do vídeo (uma feira comercial no méxico).

Melodyne - Direct Note Access

2008-03-12T09:34:00.002-03:00

Um post mais tecnológico, mas a quebra de paradigma que esse software trás é tão grande que achei que valia a pena colocar aqui.

Melodyne é um software capaz de alterar um audio de maneira única: altera não somente a nota que alguém cantou (ou tocou num instrumento acústico) como também o lugar dessa nota no tempo e a sua duração. Impressionante.

Mas se já era impressionante mexer nele nesse contexto de audio monofônico (uma nota somente de cada vez) agora os loucos da Celemony fizeram o que todo mundo achava que era impossível: fazer isso com audio polifônico, ou seja com acordes de violão, piano, etc.

Só vendo pra acreditar:

http://www.celemony.com/cms/index.php?id=dna

World Beat Music

2008-03-08T19:19:00.004-03:00

Nesse link você pode visualizar o mapa com detalhes:

O mapa é publicado pela Wild About Music e está a venda no site deles.

Jeff Healey - R.I.P.

2008-03-03T09:32:00.002-03:00

Não tem nada a ver com trilha sonora, a não ser a trilha sonora que a toca na nossa vida.

O guitarrista Jeff Healey morreu domingo (02/03/2008) aos 41 anos de câncer.

Cego desde um ano de idade, ele aprendeu a tocar guitarra de uma forma bem diferente, com o instrumento deitado no seu colo. Mas quem liga para a posição que ele toca quando o som que ele fazia tinha uma emoção enorme.

Texto retirado do TimesOnLine:

Guitarist Jeff Healey dies of cancer

The blind Canadian rock and blues musician has died of cancer on the eve of a new album release

Veronica Schmidt

The blind Canadian rock and blues musician Jeff Healey has died of cancer on the eve of a new album release.

The famous guitarist, who played with his instrument flat on his lap, died of cancer in a Toronto hospital on Sunday, a spokesperson said.

The 41-year-old was diagnosed with a rare cancer, retino balstoma, at birth, and the disease claimed his eyesight when he was aged 1.

Last year, Healey had surgery to remove cancerous tissue from his legs and later from both lungs. He also underwent courses of chemotherapy and radiotherapy but the cancer continued to spread.

Healey began playing the guitar when he was 3, formed his first band at 17, and rose to fame with The Jeff Healey Band in 1988, when they released the hit single Angel Eyes and the Grammy-nominated album See the Light. The record sold more than one million copies in America.

He won a Juno award for Entertainer of the Year in 1990 and went on to play with some of the biggest names in blues, including B.B King and Stevie Ray Vaughn. He also recorded with George Harrison, Mark Knopfler, and the late Jimmy Rogers

But an array of original rock albums, live and ‘best of’ albums that he released during the Nineties failed to sell as well as See the Light and he returned to recording jazz.

Before he died, he had completed his first rock-blues album, Mess of Blues, in eight years and was planning a tour of Britain and Germany. He was also scheduled to appear on Later with Jools Holland.

A spokesperson confirmed that the album release would go ahead, coming out in America in March, and in Europe in April.

He leaves his wife, Christie, daughter Rachel, 13 and son Derek, 3.

Árvore que canta

2008-02-14T10:01:00.001-02:00

Imagine isso... no meio do campo, uma árvore que compoe a trilha sonora baseada na direção e intensidade do vento.

Uma pena que uma gravação desse tipo, em ambiente de muito vento fica sempre muito prejudicada. Mas dá pra ter uma idéia de como ela soa.

Indicados ao Oscar 2009

2008-01-22T19:18:00.000-02:00

Os indicados ao Oscar 2008 foram anunciados hoje.
Nas categorias que mais me interessa, como Música, Som e Efeitos Sonoros, os indicados foram:

Original Score
“Atonement” - Dario Marianelli
“The Kite Runner” - Alberto Iglesias
“Michael Clayton” - James Newton Howard
“Ratatouille” - Michael Giacchino
“3:10 to Yuma” - Marco Beltrami

Original Song
“Falling Slowly” from “Once”
Music and Lyric by Glen Hansard and Marketa Irglova

“Happy Working Song” from “Enchanted”
Music by Alan Menken
Lyric by Stephen Schwartz

“Raise It Up” from “August Rush”

“So Close” from “Enchanted”
Music by Alan Menken
Lyric by Stephen Schwartz

“That’s How You Know” from “Enchanted”
Music by Alan Menken
Lyric by Stephen Schwartz

Sound Editing
“The Bourne Ultimatum”
Karen Baker Landers and Per Hallberg

“No Country for Old Men”
Skip Lievsay

“Ratatouille”
Randy Thom and Michael Silvers

“There Will Be Blood”
Matthew Wood

“Transformers”
Ethan Van der Ryn and Mike Hopkins

Sound Mixing
“The Bourne Ultimatum”
Scott Millan, David Parker and Kirk Francis

“No Country for Old Men”
Skip Lievsay, Craig Berkey, Greg Orloff and Peter Kurland

“Ratatouille”
Randy Thom, Michael Semanick and Doc Kane

“3:10 to Yuma”
Paul Massey, David Giammarco and Jim Stuebe

“Transformers”
Kevin O’Connell, Greg P. Russell and Peter J. Devlin

Aposto que a dupla Alan Menken e Stephen Schwartz levam o Oscar de melhor canção :-)
Barbada!